Aus flämischem Ursprung (der Großvater hatte sich 1732 in Bonn aus Malines niedergelassen) war sein Vater Johann Sänger am Hof des Erzbischofs von Köln. Ludwig studierte zum ersten Mal bei seinem Vater und trat bereits 1778 als Pianistin in der Öffentlichkeit auf und vertiefte dann das musikalische Wissen mit C. G. Neefe. Bald aktiv im Court Theatre, 1789 schrieb er sich an der Universität von Bonn an der Philosophie ein. 1787 hatte eine Reise nach Wien und ein entscheidendes Treffen mit Mozart einen radikalen Einfluss auf sein Training als Musiker; In der Zwischenzeit beginnt für ihn eine Zeit der traurigen Familienbedingungen. 1787 starb die Mutter und er musste die Aufrechterhaltung des alkoholischen Vaters als Brumpist im Hoforchester aufrechterhalten. In der Umwelt von Bonn verbinden er außerdem profitable Kontakte mit Kunden und Künstlern, die die Leidenschaft für seine Kunst in ihm am Leben erhalten. Und für Haydns Intervention weiß er während eines kurzen Stopps in Bonn, dass er 1792 wieder nach Wien gehen durfte. Aus Wien wird er nicht mehr in seine Heimatstadt zurückkehren (sein Vater stirbt im selben Jahr wie seine Transplantation in Österreich) und in der österreichischen Hauptstadt, die er bei Haydn studierte -Teptische Analyse der Gesangsstufe Italienisch.
In der Zwischenzeit kommt er dank des Schutzes der Graf von Waldstein, der ihn in Bonn gekannt hatte, mit den bekanntesten Namen der Wiener Aristokratie in Kontakt, einschließlich des Lichnowski und des Lobkowitzs. 1795 veranstaltete er das erste öffentliche Konzert, das sich sofort für die Qualitäten seiner Interpretationen auferlegte, und 1796 machte er durch Konzerte in Deutschland und Böhmen eine Tour.
Aber mit dem Beginn der Hörstörungen, die 1802 auf Selbstmord werfen werden (wir erinnern uns an das berühmte Testament von Heiligenstadt), neigt sich immer mehr, während sogar über die Grenzen seines Ruhms als Komponist ist bestätigt. Nach 1800 erwarb seine Produktion einen sehr schnellen Rhythmus, und 1808 wurde er dank des Interesses eines edlen Kunden, einer jährlichen Rente, sichergestellt. Aber die auffällige Rente sieht sich bald auf eine miserable Figur nach der Inflation reduziert, während er mit dem Tod seines Bruders Kaspar den Schutz seines Neffen Karl anvertraut wird. Sein Ruhm erweitert sich immer mehr in Europa, die Verlage kämpfen um seine Werke und er gilt als ein wenig nationaler Ruhm. Aber die Taubheit verschlechtert sich (in den letzten Lebensjahren war es nun möglich, nur schriftlich mit ihm zu kommunizieren), Karl erhielt eine Reihe von Langeweilen und 1816-17 untergrub eine schwerwiegende Bronchitis seine feste Faser. 1815 war er zum letzten Mal in der Öffentlichkeit als Pianist aufgetreten; Seitdem schloss er sich immer mehr, während er in den letzten Jahren von finanziellen Bedenken unterdrückt wurde, auch wenn seine Werke weiter seit damals. 1826 versuchte Karl Selbstmord; Im selben Jahr, nach einem Wohnzimmer auf dem Land in seinem Bruder Johann, kehrt Beethoven unter der Verärgerung eines Schneesturms nach Wien zurück und wird mit einer Lungenentzündung krank. Vernachlässigte verschlechtert sich, und im Winter muss der Musiker einer Reihe von Operationen unterzogen werden: aber die gemeinsame Hydropysois mit einer schweren Lungenentzündung kämpft nach drei Tagen, die sie in einer fast völligen Bewusstlosigkeit verbracht haben. Ein paar Tage vor seinem Tod hatte er einen Besuch in Schubert erhalten, der ihn liebte und ihm ein Jahr später im Grab folgen würde.
In der Musikgeschichte ist Beethoven ein absolut neuer Mann und Künstler. Im Leben suchte er immer und verzweifelt Freiheit und Unabhängigkeit. Genau in den Jahren, in denen die französische Revolution den Gesetzen der Menschheit diktiert wurde.
Er ist neu von Bruderschaft und Gleichheit und ist der Ansicht, dass der Künstler auch die Pflicht hat, für alle seine Mitmenschen zu arbeiten. Also war er der erste, der jede Unterordnung mit der Aristokratie brach, und zuerst lebte er in seiner Arbeit, die er seinen Verlage anbot, als er vorgab, dass er für das entschädigt wurde, was er wert war. Während alle seine Vorgänger bis Mozart und Haydn im Kontext eines eingeschränkten Kreises gelebt und gearbeitet hatten, der von ihren Meistern und realen Theatern subventioniert wurde, sucht Beethoven ungestüm den Kontakt zu einem zunehmend großen Publikum.
Diese Haltung der absoluten Freilassung aus einer Welt, die bereits zu Beginn des 19. Jahrhunderts zu verfallen begann, spiegelt in seinem Leben und in seinen Beziehungen zu Männern wider. Er war ein schwieriger Mensch, und nur sehr wenige konnten mit ihm in Freundschaftsbeziehungen eintreten, wenn sie jemals wahre Intimität. In der Notwendigkeit von Liebe wie wenige andere konnte er ihn mit Frauen paradoxerweise nicht finden: In seinem Leben gingen sie durch Dutzende (wir werden uns nur an Giulietta Guicciardi, Therese von Brunswik, die Gräfin Endody, Bettina Brentano und die Sängerin Amalie Von Sebald) erinnern, aber in keinem konnte den Partner des Lebens finden.
Und es war sicherlich ein grenzenloses Bedürfnis nach Freiheit, der ihn veranlasste, sich immer mehr von der Welt zu isolieren, seine Botschaft seiner Botschaft an die Menschheit anzuvertrauen, die ihn dazu veranlasste
Ungewöhnlich und in gewisser Weise unglaublich, dass die Geschichte uns übergeben hat. In der Musik werden jedoch die Störung des Lebens und der Charaktergriff in einer einfachen und direkten Kommunikation gelöst, die von einer sehr hohen brillanten Kraft diktiert wird. In den ersten Werken absorbiert er das stilistische Problem, das seine großen Vorgänger Haydn und Mozart auferlegt haben. Wenn er zwanzig ist, ist Mozart bereits tot und Haydn ist in die üppigste Zeit seiner Reife gekommen: Der junge Beethoven sieht die Welt jetzt mit einem neuen Auge, vivifiziert und durch die großen historischen Ereignisse, die ihr Training begleiten (die Die französische Revolution zuerst) und gleichzeitig in die Erfolge eintaucht, die Mozart und Haydn getan hatten, um sie dann persönlich mit einer anderen Ausdrucksbeschuldigung zu leben. Die ersten Klaviersonate, die ersten Quartette, die ersten beiden Symphonien (aber wal -schwingende Ausnahmen, beispielsweise in der Sonate in Do -Moll -Pathetic Piano Op. 13, die aus 1798 ist), spiegelt somit eine Empfindlichkeit wider, die immer noch mit dem verbunden ist Musik des 18. Jahrhunderts, obwohl diese Werke sie niemals einer präzisen stilistischen Kategorie wie Rococo zugewiesen werden können. In diesen Arbeiten gibt es jedoch eine unermüdliche Forschung, die Entwicklung eines sehr persönlichen Stils, der allmählich in den größten Müdigkeitskreationen hell ausgekündigt wird.
Beethovens Name ist mit dem des Formsons untrennbar verbunden. Es ist in dieser Form, die ihm von der Schule von Mannheim von C. Ph. E. Bach und anderen Musikern aus dem 18. Jahrhundert übergeben wurde und der den ausdrucksstarken und konstruktiven Reiz für ihn entspricht.
Er meckt die beiden Hauptthemen der Sonate mit einer grandiosen plastischen Kapazität und fügt in der Kunst der Entwicklung den Höhepunkt vor ihm hinzu. In seinen Entwicklungen werden Konflikte, die von einem höheren Gleichgewicht dominiert werden, entfesselt, in ihren Themen ist eine Lyrik entspannt, die voraussagt, dass die nachfolgende Romantik. Vor allem dieses formale Element, das in den Werken der mittleren Periode in den meisten Symphonien und pianistischen Sonaten in den Quartetten, die den letzten, in denen eine neue Welt der schwindelerregenden formalen und ausdrucksstarken Forschung voreinsteigt, eingeleitet wird.
In Beethoven spricht er schließlich die gesamte Menschheit: Die elementare Übersicht über seine Themen und Entwicklungen bringt ihn dem Mann der Straße nahe, zu der Masse, die praktisch ausgeschlossen wurde - wenn das Phänomen der Theaterarbeit außer der Musik ist. Und in den mittleren Werken kommt dieser Anstoß der Bruderschaft, der Kommunikation mit all ihren Mitmenschen, sie zu erziehen und ihnen ein genaues Bewusstsein für Männer zu geben, an die Oberfläche. Schließlich bricht auch die Form, lässt das grüne Licht, am Rand einer Technik, die jetzt transzendental ist, zu der Fantasie in ihrer autonomen Form, zu der reinen Erfindung, die über jede Bindung und jedes formale Schema hinausgeht. Dies ist der Fall der letzten Quartette, der neunten Symphonie, der neuesten Klavierbewertungen, schockierenden Werken in ihrer ausdrucksstarken Radikalität, die sich für die Höhe der künstlerischen Ausdrucksbekämpfung entschieden haben. Hier schlängelt sich Beethoven in unerforschten Kugeln, es öffnet sich zu Musikmöglichkeiten, die erst nach vielen Jahrzehnten die Nachwelt in ihrem Genie vollständig verstehen wird. Beethovens Arbeit ist ein Kosmos, in dem sich der Mensch sofort in seinen ungestümeren Leidenschaften wie in seinen edlen Gefühlen widerspiegelt.
Unter den orchestralen Kompositionen haben immer noch eine nicht ligible Bedeutung der 11 Ouvertures, die Beethoven für Komödien und Ballette und für seine einzige Theaterarbeit, Fidelio, geschrieben hat. Denken Sie daran, dass selbst in den Beethoven-Mitteln den Formson-Sohn übernommen hat, der mit der Autorität seines Genies eine Struktur bestätigte, die Ende des 19. Jahrhunderts bestätigt wurde und die im Wesentlichen aus den italienischen Zahlen (A. Scarlatti) entnommen wurde (A. Scarlatti). oder Französisch (Lulli).
Die Kreaturen von Prometeo op. 43 (Die Geschopfe des Prometheus):
Das "Ouverture" am Ballett bezeichnet die Eigenschaften von Beethovens Jugendstil. Es ist ein sehr brillantes Stück, das für das unaufhörliche rhythmische Leben bewundernswert ist, fast ein elegantes und reibungsloses Spiel frischer und jugendlicher musikalischer Ideen.
König Stefano Op. 117 (1811):
Die Ouverture, die die energischste Seite ist, wird durch vier trockene, feierliche, archaisierende Ringe eingeführt und dann auf zwei musikalische Ideen konzipiert, die sich miteinander abwechseln und sich mit instrumentellen Veränderungen und damit des Teints wiederholen, die erste hauptsächlich lyrisch und exotisch (exotisch (exotisch (exotisch) ( "Alla Forgarese" schreibt Beethoven, als er dieses Thema im Song Nr. 4, den eleganten Chor von Frauen, die die Braut begleiten, wieder aufnimmt) und den zweiten ungestümen und Krieg. Der Stil und der Charakter der anderen Songs sind angemessen von Fähigkeiten, aber auch in Form meist unpersönlich feierlich für die Bühnenbedürfnisse.
Die Ruinen von Athen Op. 113 (1811): - Das allegorische Drama Die Ruinen von Athen präsentiert ein symphonisches Schreiben. Heute in den Konzertsälen wird die Ouverture oft aufgeführt, in denen alle Hauptthemen der Arbeit im Formsonsohn organisiert sind. Die Dekadenz Griechenlands, die unter der türkischen Herrschaft und von Athen, in der sie nach einer Abwesenheit von zweitausend Jahren Minerva zurückkehrt, die Vergebung von Jupiter erhalten hat Das Thema löste sich, dass es die Geigen erreicht und aus dem nachfolgenden Grund, der den Bögen anvertraut wurde, die das zweite Lied des Duetts zwischen dem Griechischen und dem Griechischen erwarten, während die folgenden zwei Kriegsthemen, die im Kalenderton von Sol Major gegen die Vereinbarung aufgedeckt wurden zwischen dem ungarischen Volk und den Herrschern. Der nächste, fröhliche, aber nicht zu viel in Form-Sonata, präsentiert keine thematische Referenz mit der anderen Bühnenmusik.
Egmont Ouverture op. 84 (1809):
Goethes "Ouverture" hat den Charakter einer einfachen Einführung in das Drama, von dem er die Fans der Freiheit zu widerspiegeln scheint und sich in einem Jubel -Song auflöst.
Coriolano "Ouverture" op. 62 (1807):
Parallel zur fünften Symphonie im Jahr 1807 ist die Ouvertur in Coriolano (eine Tragödie von Heinrich Collin, die jetzt vergessen wurde) eine der dunkelsten und tragischsten Kompositionen, die der Musiker gedacht hat. Es meldet sich unauslöschlich in die Erinnerung an den Hörer für das Drama des anfänglichen Gravers für die Unruhe des ersten Anelante -Themas für die edle Lyrik des zweiten Themas in Mi Bemolle (die Ouverture ist in Do -Moll, der gleiche Schatten wie der Fünfter). Nach einer Reihe von Kontraste und Konflikten, die während des gesamten Stücks ohne Anforderungen drücken, endet es mit dem tragischen Gravur des Anfangs, was mit einem linken Effekt im schwerwiegenden Register der Bögen ausgestorben ist.
Das Onomastic Festival Op. 115 (1815):
Der Zur namensfeier Ouverture (so genannt von der Notiz für Beethoven für die signierte Punktzahl, aus der es scheint, dass die Komposition "im Monat der Ernte von 1814 am Abend der Ehre unseres Kaisers" abgeschlossen wurde, das heißt, Am 4. Oktober ist Fest von San Francesco) eines der ersten Beispiele für Konzertkonzerte, ein "Genre" zu Beginn des 19. Jahrhunderts, als Folge der Entwicklung der "Akademie" als aristokratisches Musical Die Behandlung des Rechtsregimes eines überaus Kammers (auch wenn es darin besteht, die Konzerte für Klavier di Mozart und die Haydn Symphonies) mit einer öffentlichen Demonstration einer spektakulären Natur und einer massiven und zusammengesetzten Verfassung.
Der Abend, der mehrere Stunden dauert, könnte ein Paar Symphonien, ein Konzert für Solo -Instrument und Orchester, eine Oratorium oder eine Kantate umfassen, die eine ad hoc symphonische Einführung vorausgeht und durch eine Improvisation des Autors am Klavier: Pantagruelica Sbandigione abgeschlossen ist Musikalisch, heute schwer zu entsorgen.
Die Weihe des Hauses op. 124 (Die Weihe des Houses), "Ouverture" (1822):
Komponiert für die Amtseinführung des New Josephstadter Theatre. Es ist ein Stück, das in einem fast handelischen Geist konzipiert ist, eine echte "Anlass" -Komposition im edelsten und majestätischsten Sinne des Begriffs. Es ist unnötig, dramatische Konflikte zu suchen: Diese Musik findet wie ein solider Wandteppich statt, der von einem "majestätischen und unterstützten" feierlichen Abdruck zu einer lebhafteren Fanfare wechselt, die in eine helle und charmante Flucht fließt. Die Hand des Musikers ist auch glücklich und vor allem in den Kontrapunkt -Teilen, und zu ihnen wird eine üppige Behandlung des Orchesters hinzugefügt, das das Stück auf eine wirklich monumentale Weise schließt, in einem lodernden Major.
Leonora n. 1, n. 2 und n. 3:
Die drei "Ouvertures" Leonora wurden für die erste und zweite Version komponiert
von Fidelio. Der erste befriedigt den Autor nicht, der im selben Jahr der Darstellung von Fidelio (1805) eine zweite vorbereitete; Die bekannteste Version ist zwar die dritte, die 1806 für die Wiederaufnahme der Arbeit komponiert wurde. Sie ist eines der abwechslungsreichsten und überzeugendsten Werke, die von Beethoven im symphonischen Bereich erstellt wurden. Die formale Komplexität, die jedem Versuch, zu klassifizieren, entgeht, ist nur dem Reichtum der Ideen, die mit großem Ausdruck die grundlegenden Elemente des Dramas erwarten und symbolisieren. So finden wir in wenigen Minuten kondensiert die charakteristischen Themen einiger wichtiger Charaktere von Fidelio Thema des Allegro (das nach einem Sprichwort von riesigen Proportionen beginnt), Leonora n. 3 ist eine breite Seite, lebendig, durchdringend, spontan wie wenige andere dieser Art.
Fidelio op. 72c:
Im Jahr 1814 schrieb Beethoven eine neue Version von Fidelio an die Wiener Öffentlichkeit, und schrieb eine vierte Ouverture, die normalerweise auch heute zur Einführung der Arbeiten durchgeführt wird. Mit den drei Leonore hat dieser Ouverture nichts zu tun: Hier verwendet der Komponist keine Themen, die aus der Arbeit entnommen wurden, und seine einschneidenden Merkmale des Dramas sind auf eine wesentlich schnelle und brillante Konzeption der Konzeption gelöst.
