Reading this book by Maria Teresa De
Donato and Anneli Sinkko is like traveling a complex yet stimulating
journey that leads you to discover the truth hidden in our eyes, the
essentiality of which we could not taste.
It is "an exciting
spiritual journey" to understand the universal message addressed to all
humanity: examine the exemplary aspects of all religions to be able to overcome
the antagonisms and disputes that produce irreparable fractures. The purpose is
great and possibilist, given that we descend from common ancestors, and the
desire that has been in the search for humanity strong: the brotherhood. It is
a longed-for and shared sentiment that has cost so much in wars, barbarities,
massacres, and destruction, which we have never conquered.
The work carried out by
the authors is pre-guided and admirable for the argument dealt with: with a
capillary analysis and with a scientific and meticulous investigation, he
compared texts of different historical and religious origins to formulate an
objective validity thesis.
Through theology,
philosophy, philology, knowledge of the ancient classic, Christian, and pagan
world, they have examined content on the subject treated; they have realized a
relevant intra-international, intertextual and extractable analysis. The above
highlights a considerable and specific cultural baggage and a wise research
methodology that generated a quality product through effective collaboration.
The tree of life
represents a dense symbology of positive and auspicious meaning in the
collective imagination: many people prefer to possess it and/or give it as a
lucky charm. In the book, the authors make it the subject of a treaty that
opens many stimulating spirals for a wide-ranging cultural discussion aimed at
readers decidedly interested.
It is a book to read
carefully, and then the pleasure will take place because the authors, with
their clear and elegant style, with prose well organized in the speech, allow
you to browse all the pages and reach the end with great satisfaction.
Congratulations on the
work done with mastery, and thank you for giving me the opportunity to read it.
Leggere il libro di Maria Teresa De Donato e Anneli Sinkko è percorrere un cammino arduo ma interessante,
che ti conduce a scoprire verità celate ai nostri occhi, delle quali non si
assaporava l’essenzialità.
È “un entusiasmante viaggio
spirituale” per comprendere il messaggio universale rivolto a tutta l’Umanità:
esaminare gli aspetti comuni a tutte le religioni per poter superare gli
antagonismi e le controversie che producono fratture irreparabili. La finalità
è grandiosa e possibilista, visto che discendiamo dagli stessi avi, e diventa
forte il desiderio che da millenni è nella ricerca dell’umanità: la
fratellanza. Un sentimento anelato e condiviso che è costato tanto in guerre,
barbarie, massacri e distruzioni, ma che non è stato mai conquistato.
Il lavoro svolto dalle
Autrici è elogiabile e ammirevole per l’argomento trattato: con analisi
capillare e con indagine scientifica e meticolosa hanno messo a confronto testi
di diversa origine storica e religiosa per formulare tesi di validità oggettiva.
Attraverso la teologia, la
filosofia, la filologia, la conoscenza del mondo antico classico, cristiano e
pagano, hanno esaminato contenuti sul tema trattato operando una pertinente
analisi intratestuale, intertestuale ed extratestuale. Tutto ciò evidenzia
soprattutto un considerevole e specifico bagaglio culturale e una sapiente
metodologia di ricerca che, unita ad una collaborazione fattiva, ha generato un
prodotto di qualità.
L’Albero della Vita
rappresenta una simbologia densa di significato positivo e di buon auspicio
nell’immaginario comune: tante persone preferiscono possederlo e/o regalarlo
come portafortuna. Nel libro le Autrici ne fanno il soggetto di un trattato che
apre tanti spiragli stimolanti per una discussione culturale ad ampio raggio
rivolta a lettori decisamente interessati.
È un libro da leggere con
attenzione e poi il piacere subentrerà perché le Autrici, con il loro stile
chiaro ed elegante, con una prosa ben organizzata nel discorso, ti consentono
di sfogliare tutte le pagine e giungere alla fine con grande soddisfazione.
Complimenti per il lavoro
svolto con maestria e grazie per avermi dato l’opportunità di conoscerlo.
Die Lektüre des Buches
von Maria Teresa De Donato und Anneli Sinkko ist ein anspruchsvoll, aber
interessanter Weg, der Sie dazu führt, Wahrheiten zu entdecken, die unseren
Augen verborgen sind und deren Wesentlichkeit nicht ausgekostet wurde.
Es ist “eine aufregende
spirituelle Reise”, um die universelle Botschaft zu verstehen, die an die
gesamte Menschheit gerichtet ist: die allen Religionen gemeinsamen Aspekte zu
untersuchen, um die Antagonismen und Kontroversen zu überwinden, die
irreparable Brüche hervorrufen. Der Zweck ist grandios und möglich, da wir von
denselben Vorfahren abstammen und der Wunsch, der seit Jahrtausenden auf der
Suche nach Menschlichkeit, stark wird: Brüderlichkeit. Ein ersehntes und
geteiltes Gefühl, das in Kriegen, Barbarei, Massakern und Zerstörungen so viel
gekostet, aber nie überwunden wurde.
Die Arbeit der Autoren
ist lobenswert und für die Thematik bewundernswert: Mit detaillierter Analyse
und mit wissenschaftlicher und akribischer Recherche verglichen sie Texte
unterschiedlicher historischer und religiöser Herkunft, um Thesen von
objektiver Gültigkeit zu formulieren.
Durch Theologie,
Philosophie, Philologie, Kenntnisse der antiken klassischen, christlichen und
heidnischen Welt haben sie Inhalte zum behandelten Thema untersucht, indem sie
eine einschlägige intratextuelle, intertextuelle und extratextuelle Analyse
vorgenommen haben. All dies unterstreicht vor allem einen beträchtlichen und
spezifischen kulturellen Hintergrund und eine kluge Forschungsmethodik, die in
Kombination mit einer effektiven Zusammenarbeit ein Qualitätsprodukt
hervorgebracht hat.
Der Baum des Lebens
stellt in der allgemeinen Vorstellung eine Symbolik voller positiver und
glückverheißender Bedeutung dar: Viele Menschen ziehen es vor, ihn zu besitzen
und/oder ihn als Glücksbringer zu verschenken. Die Autoren machen es in dem
Buch zum Thema einer Abhandlung, die viele anregende Ansätze für eine breite
kulturelle Diskussion eröffnet, die sich an dezidiert interessierte Leser
richtet.
Es ist ein Buch, das man
aufmerksam lesen muss und dann macht sich das Vergnügen breit, denn die Autoren
mit ihrem klaren und eleganten Stil, mit einer gut organisierten Prosa in der
Rede, lassen einen durch alle Seiten blättern und kommen mit Bravour ans Ende
Zufriedenheit.
Herzlichen Glückwunsch zu
der mit Geschick geleisteten Arbeit und vielen Dank, dass Sie mir die
Gelegenheit gegeben haben, es zu lesen.
The son of a card maker, he had studied music as an amateur but soon had to devote himself to it as a professional as the economic conditions of the patema firm changed. He was in Florence in 1703 and then again in 1722, in Munich in 1722 but he spent most of his life in Venice, where for some time he played the violin in the theater orchestra; he became friends with Vivaldi and in the operatic field he was considered a fearsome rival of Francesco Gasparini. He was a very fertile composer (he wrote about fifty plays until 1740, of which only a few arias remain today, and a large copy of symphonies, concertos, sonatas, and other instrumental music), but from around 1740 he had abandoned all activities. skilled and, as such, enters with a specific function in the history of the flourishing Italian violin school of the eighteenth century. He deeply "feels" the spirit of the stringed instruments and this is perhaps why his most inspired and significant compositions are precisely the instrumental ones, where he was able to lavish his rich musical gifts. The typical representative of the Italian Baroque, he has a precise and subtle taste for the wide melodic bow, for the refined harmony, for, accurate instrumentation. Its rhythms are elastic and light, the speech is always noble and expressive, the orchestra merges into a single body capable of very different colors, preluding at some point to the developments of the Mannheim school, to the crescendo, and to meticulous attention to dynamics. With the introduction in op. 7 and 9 of wind instruments (oboes), he lays the foundations for an expansion of the orchestra, teaching how to blend the sonority of winds with that of strings. Furthermore, he identifies with greater clarity than that of his contemporary predecessors the concept of "symphony", understood as an instrumental piece in which all the instruments of the orchestra concur in equal measure to give life to the musical discourse, unlike the concert where the fragmentation was accentuated of the discourse between the "solos" and the orchestral "all". It is symptomatic that Bach studied in-depth, together with those of Vivaldi, the compositions of Albinoni, a musician whom he placed on the same level as the "Red Priest": and it was from Albinoni's compositions that Bach learned many tricks which remained typical throughout his most important production. It is not possible for Albinoni, as it is not for many other Italian and foreign Baroque authors, to go into the details of the individual compositions. His production is vast and it cannot be said that up to now there are pieces that have attracted the attention of the public in a particular way; nor among the collections of music he has published is there any that excels in a particular way over the others. The stylistic characteristics mentioned in the introductory part apply to his entire production. It should be borne in mind that many of Albinoni's compositions have remained handwritten, and are gradually resurrected by the love of some musicologists who are passionate about ancient Italian production.
Concerto in C major for two oboes, strings, and continuo, op. 9 n. 9
The oboe, introduced in Italy from France towards the end of the 17th century, was first used as a reinforcement of the arches. Àlbinoni was among the first Italian composers, together with the virtuoso oboist Giuseppe Sammartini, Alessandro Marcello,, and Vivaldi, to write solo concerts for this instrument, which at that time only had two or three keys. Of the "Venetian amateur, violin musician", as Albinoni himself liked to define himself, there remain 16 original compositions for oboe, equally distributed in op. 7 and in op. 9. The two collections, published in Amsterdam respectively by Roger in 1715 and by Le Cene in 1722, are symmetrically divided into four violin concertos (for strings in op. 7), four for oboe and four for two oboes. In these works the author demonstrates that he is fully acquainted with the technical and expressive possibilities of the instrument, which was introduced in San Marco in 1698 and at the Pietà around 1706, and that he did not limit himself to simply replacing the violin with the oboe.
Albinoni decided to dedicate the op. 9 to Maximilian Emmanuel II of Bavaria because he probably had heard of the skill of the oboists active in that court. The concerts were probably well-received since the "Venetian amateur" was subsequently invited to Munich to organize musical parties on the occasion of the wedding of Elector Charles Albert of Bavaria with Maria Amalia, the youngest daughter of Joseph I.
The Concerto in C major for two oboes, strings, and continuo op. 9 n. 9 is the penultimate of the "double" concerts in the collection, which generally includes more elaborate compositions than the models offered by op. 7. The key of C major is present in four of Albinoni's eight concertos for two oboes (of the remaining four, two are in D major and two in F and G major). This derives from the fact that often in the eighteenth century the oboe was assimilated for functions and sounds to the trumpet, whose natural tonalities were precisely those of C and D major.
In the first movement (Allegro, 4/4), the interventions of the orchestra are divided into three or four motifs, variously recomposed and elaborated in the repetitions of all. The solos have no thematic value but are limited to a melodic formulary, mainly for parallel thirds, made up of scales, arpeggios, rapid passages in sixteenth notes, or short cuts repeated or separated by a quaver rest.
In the central movement (Adagio, A minor) the ample lyrical breath of the oboes is embellished by the imitations between the soloists and the strings. It is important to note that here, as in the other slow tempos of Op. 9, Albinoni prefers to use a more elaborate musical texture, unlike the fashion of the time to simplify this movement to allow the free improvisation of the performer.
The refrained structure reappears in the last movement (Allegro, 3/8) which with the initial one shares not only the same formal structure but also an identical harmonic path: C major - G major - A minor - E minor - C major. The most evident difference between the two movements is constituted, in addition to the rhythm, by the behavior of the solos which, unlike the first movement, have a thematic character and develop frequent imitations.
Dedication: Massimiliano Emanuele, Duke of Bavaria
Symphony in A major, for strings and continuo, op. 2 n. 5
Seven years older than Vivaldi, Tomaso Albinoni preceded him by thirteen in the publication of his first collection of Symphonies and Concerts in five op. 2, released in Venice from the presses of the Sala printer in 1700 (as is known, the twelve Concerts of Vivaldi's Estro Armonico saw the light in Amsterdam in 1713). The fundamental Albinonian opera also preceded Corelli's famous opera Vi by a good fourteen years, although it is confirmed by numerous testimonies that musical Europe did not have to wait for the posthumous publication (1714) of those masterpieces to admire and adopt them as models the terse architecture, since handwritten copies of the large Corellian Concerts had been circulating in the music halls and in the patrician archives since the last decade of the 17th century. Chronological milestones aside, Albinoni has the merit (obviously, not exclusive) of having defined, in the context of the Venetian musical civilization, the structures of the Baroque Concerto in the two "genres" of church and chamber: the first of these belongs to beautiful Symphony in A major, which, although it retains the old name dear to the Po Valley instrumentality of the late seventeenth century, must, in reality, be considered as a real big Concerto, divided into four typical movements, with episodic cuts of the solos against the mass of "all" . The composition opens with a Grave characterized by figurations, in pointed rhythm, closely imitated between the two violins, on the background of the two violas and the bass. This is followed by an Allegro fugato with two subjects that play a scenographic polyphony for five voices, from which the first and second violin emerge with short solo interventions. An Adagio to the relative minor, marked by fervid cantability, introduces the final Allegro in jig time, with lively fugue exposure.
Serious
Cheerful
Slowly
Cheerful
Organic: 2 violins, 2 violas, cello, continuo
Composition: 1694
Edition: Giuseppe Sala, Venice, 1700
Dedication: Ferdinando Carlo, Prince of Mantua
Symphony in G minor, for strings and continuo, op. 2 n. 11
Violinist and student of singing problems, Albinoni distinguished himself as a fruitful opera player in Venice, Mantua, Florence and Munich, writing about fifty melodramas largely lost: he also set to music for Metastasio's La Didone Abbata (1725). Together with Vivaldi, of whom he was a friend, he belongs to the glorious Venetian school of music, which in the eighteenth century had great importance and influence for the definition and development of the solo concert in the instrumental field.
Certainly Vivaldi's contribution to this form of musical expression is more universally known and appreciated, but it cannot be denied that Giuseppe Torelli, a Veronese from the instrumental school of Bologna, and Tomaso Albinoni were also important links in the process of transformation of the relationship between " solo "and" tutti ", for the purposes of a more varied and organic orchestral articulation, also to highlight the contribution of the performer in a virtuoso function. In particular, in Albinoni's production of instrumental music, the succession of the three tempos Allegro - Adagio - Allegro, which replaced the usual four tempos of the symphonies, contains three solo periods instead of two, offering examples of broader thematic elaboration.
It should also be noted that in the various Albinonian collections written for several strings and the solo instrument, whether violin or cello or oboe, the themes entrusted to the "solo" take on a broader and more articulated breath, as if to underline the composer's preference for that type of solo discourse that would have had wide resonance later, starting with Giuseppe Tartini and up to the whole of the nineteenth century. Also in the field of sonatas and concertos for strings, the importance of Albinoni is significant for the essentiality of the melodic motif and the taste for slow movements, charged with a marked lyricism, in a harmonic texture continuously focused on the relationship between tonic and dominant.
An example of Albinoni's musical characteristics can be obtained from listening to the Sonata a cinque in G minor, classified as the sixth of op. 2 first published in Amsterdam in 1695 and then in Venice in 1700 and included in the collection known as "Sinfonie e Concerti a cinque for two violins, alto, tenor, cello and bass". In this case, the term symphony should be understood in the classical sense of the word, as a composition intended for a rather compact instrumental ensemble divided into four movements in which two adagi tempos alternate with two cheerful tempos. The fact remains that these symphonies are stylistically chamber sonatas, with all the violin figures and flourishes of typical Venetian ancestry.
Slowly
Cheerful
Serious
Cheerful
Organic: 2 violins, 2 violas, cello, continuo
Composition: 1694
Edition: Giuseppe Sala, Venice, 1700
Dedication: Ferdinando Carlo, Prince of Mantua
Adagio in G minor for strings and continuo
Albinoni's Adagio in G minor is one of the most popular pieces. Cinema has used it over and over again, its slow pace - and that deep Baroque embroidery of strings - expresses an emotional impact suitable for the most moving scenes. A single quote? "Broken Years", a 1981 film by Peter Weir, but the list could be pages and pages long. But this Adagio is also played in funeral ceremonies, from Enrico Berlinguer to Margaret Thatcher. Yet the story of this masterpiece is more complicated than that. In fact, it would be the biggest fraud in the history of music.
This simple Baroque movement comes from a Venetian composer, Tomaso Giovanni Albinoni (Venice, 1671), who had studied singing and became a violinist, but soon lent his talent to both opera and instrumental composition. Albinoni referred to himself as "a Venetian amateur", but in truth, he made music his profession, until his death (in 1751). Since his works were never published, he was best known for his 99 Sonatas, 59 Concerts, and 9 Symphonies which were, in his time, favorably compared to the productions of his contemporaries Antonio Vivaldi and Arcangelo Corelli.
After Albinoni's death, much of his music went to the Saxon State Library, where it was kept before being completely destroyed in the bombings of 1945. And in that year, the musicologist Remo Giazotto wrote a biography of Albinoni ( the book is titled "Amateur Violin Musician Veneto"), cataloging the remaining works. A few years later, Giazotto claimed to have recovered a fragment of Albinoni's unpublished music from the Dresden Library: a small piece of manuscript, probably of the slow movement of a Sonata in G minor, which consisted only of basso continuo and six bars of melody. . The scholar then claimed to have completed Albinoni's single movement in homage to the composer and published, under the same name, the famous Adagio in G minor in 1958. The piece quickly entered the favor of musicians, classical and not only, and, above all, in those of the public. The Doors reinterpreted it on the 1978 album "An American player" and we could cite other reinterpretations, including those of Rock Progressive. The Adagio is even found in television commercials, all over the world.
According to musicologists, Giazotto's operation remains, in his own way, the testimony of a false historian turned into great success: in the twentieth century, he developed the Albinoni fragment by completing a work according to the rules - and the taste - of the Baroque. The triumph continues into the 21st century, so much so that the song was recently used entirely in the television series "The assassination of Gianni Versace". His melancholy and emotional power keeps his strength intact and I am sure that Albinoni would thank Giazotto for this homage.
Der Sohn eines Kartenmachers hatte als Laie Musik studiert, musste sich aber bald professionell dieser widmen, da sich die wirtschaftlichen Rahmenbedingungen der Firma Patema änderten. Er war 1703 in Florenz und 1722 wieder, 1722 in München, verbrachte jedoch die meiste Zeit seines Lebens in Venedig, wo er einige Zeit Geige im Theaterorchester spielte, sich mit Vivaldi und im Opernbereich anfreundete er galt als furchterregender Rivale von Francesco Gasparini. Er war ein sehr fruchtbarer Komponist (er schrieb bis 1740 etwa fünfzig Theaterstücke, von denen heute nur noch wenige Arien erhalten sind, sowie eine große Kopie von Sinfonien, Konzerten, Sonaten und anderer Instrumentalmusik), aber ab etwa 1740 gab er alle Aktivitäten auf. geschickt und geht als solcher mit einer besonderen Funktion in die Geschichte der blühenden italienischen Geigenschule des 18. Jahrhunderts ein. Er "spürt" den Geist der Saiteninstrumente zutiefst und das ist vielleicht der Grund, warum seine inspirierendsten und bedeutendsten Kompositionen gerade die instrumentalen sind, bei denen er seine reichen musikalischen Fähigkeiten ausspielen konnte. Als typischer Vertreter des italienischen Barocks hat er einen präzisen und subtilen Geschmack für den weiten Melodiebogen, für die raffinierte Harmonie, für eine akkurate Instrumentierung. Seine Rhythmen sind elastisch und leicht, die Ansprache ist stets edel und ausdrucksstark, das Orchester verschmilzt zu einem ganz unterschiedlichen Klangkörper, der irgendwann auf die Entwicklungen der Mannheimer Schule, auf das Crescendo und auf eine akribische Beachtung der Dynamik einläutet Mit der Einleitung in op. 7 und 9 der Blasinstrumente (Oboen) legt er den Grundstein für eine Erweiterung des Orchesters und lehrt, wie man den Klang der Bläser mit dem der Streicher verschmelzen kann. Darüber hinaus identifiziert er deutlicher als seine zeitgenössischen Vorgänger den Begriff der "Symphonie", verstanden als ein Instrumentalstück, in dem alle Instrumente des Orchesters gleichermaßen zusammenwirken, um den musikalischen Diskurs zu beleben, im Gegensatz zum Konzert, in dem die Die Fragmentierung des Diskurses zwischen den "Soli" und dem orchestralen "Alles" akzentuiert wurde. Es ist symptomatisch, dass Bach zusammen mit denen von Vivaldi die Kompositionen von Albinoni, einem Musiker, den er dem "Roten Priester" gleichstellte, eingehend studierte: und aus Albinonis Kompositionen lernte Bach viele Tricks, die typisch blieben Es ist Albinoni, wie vielen anderen italienischen und ausländischen Barockautoren, nicht möglich, auf die einzelnen Kompositionen einzugehen. Seine Produktion ist umfangreich und man kann nicht sagen, dass es bisher Stücke gibt, die die Aufmerksamkeit des Publikums auf besondere Weise erregt haben; auch unter den von ihm veröffentlichten Musiksammlungen gibt es keine, die sich in besonderer Weise von den anderen abhebt. Die im einleitenden Teil erwähnten stilistischen Merkmale gelten für alle seine Inszenierungen. Es sollte nicht vergessen werden, dass viele von Albinonis Kompositionen handschriftlich geblieben sind und nach und nach durch die Liebe einiger Musikwissenschaftler, die sich für die antike italienische Produktion begeistern, wiederbelebt werden.
Konzert C-Dur für zwei Oboen, Streicher und Continuo op. 9 n. 9
Die gegen Ende des 17. Jahrhunderts aus Frankreich in Italien eingeführte Oboe wurde erstmals als Verstärkung der Bögen verwendet. Àlbinoni gehörte zu den ersten italienischen Komponisten, die zusammen mit dem virtuosen Oboisten Giuseppe Sammartini, Alessandro Marcello und Vivaldi Solokonzerte für dieses damals nur zwei oder drei Tonarten aufweisende Instrument schrieben. Von dem "venezianischen Amateur, Geigenmusiker", wie Albinoni sich selbst gerne bezeichnete, bleiben 16 Originalkompositionen für Oboe, gleichmäßig verteilt in op. 7 und in op. 9. Die beiden Sammlungen, die 1715 von Roger und 1722 von Le Cene in Amsterdam herausgegeben wurden, sind symmetrisch in vier Violinkonzerte (für Streicher in op. 7) unterteilt, vier für Oboe und vier für zwei Oboen. In diesen Werken zeigt der Autor, dass er mit den technischen und ausdrucksvollen Möglichkeiten des Instruments, das 1698 in San Marco und um 1706 in der Pietà eingeführt wurde, bestens vertraut ist und sich nicht darauf beschränkte, die Violine durch die Oboe.
Albinoni beschloss, die op. 9 an Maximilian Emanuel II. von Bayern, weil er wahrscheinlich von der Geschicklichkeit der an diesem Hof tätigen Oboisten gehört hatte. Die Konzerte fanden wohl großen Anklang, da der "venezianische Amateur" nachträglich nach München eingeladen wurde, um anlässlich der Hochzeit des Kurfürsten Karl Albert von Bayern mit Maria Amalia, der jüngsten Tochter Josephs I., musikalische Feste zu veranstalten.
Das Konzert C-Dur für zwei Oboen, Streicher und Continuo op. 9 n. 9 ist das vorletzte der "Doppelkonzerte" der Sammlung, die in der Regel aufwendigere Kompositionen umfasst als die Modelle von op. 7. Die Tonart C-Dur kommt in vier von Albinonis acht Konzerten für zwei Oboen vor (von den restlichen vier sind zwei in D-Dur und zwei in F- und G-Dur). Dies ergibt sich aus der Tatsache, dass die Oboe im 18. Jahrhundert oft in Funktionen und Klängen der Trompete gleichgestellt wurde, deren natürliche Tonalitäten genau denen von C- und D-Dur entsprachen.
Im ersten Satz (Allegro, 4/4) sind die Interventionen des Orchesters in drei oder vier Motive unterteilt, unterschiedlich neu komponiert und in allen Wiederholungen ausgearbeitet. Die Soli haben keinen thematischen Wert, sondern beschränken sich auf eine melodische Formel, hauptsächlich für parallele Terzen, bestehend aus Tonleitern, Arpeggien, schnellen Passagen in Sechzehntelnoten oder Abkürzungen, die wiederholt oder durch eine Achtelpause getrennt sind.
Im Mittelsatz (Adagio, a-Moll) wird der üppige lyrische Hauch der Oboen durch die Imitationen zwischen den Solisten und den Streichern verschönert. Es ist wichtig zu beachten, dass hier wie in den anderen langsamen Tempi von Op. 9, Albinoni zieht es vor, im Gegensatz zur damaligen Mode eine ausgefeiltere musikalische Struktur zu verwenden, um diesen Satz zu vereinfachen, um dem Interpreten die freie Improvisation zu ermöglichen.
Die zurückhaltende Struktur taucht im letzten Satz (Allegro, 3/8) wieder auf, der mit dem Anfangssatz nicht nur die gleiche formale Struktur, sondern auch einen identischen harmonischen Weg teilt: C-Dur - G-Dur - A-Moll - E-Moll - C-Dur. Der deutlichste Unterschied zwischen den beiden Sätzen besteht nicht nur im Rhythmus, sondern auch im Verhalten der Soli, die im Gegensatz zum ersten Satz thematischen Charakter haben und häufige Imitationen entwickeln.
Symphonie A-Dur für Streicher und Continuo op. 2 n. 5
Sieben Jahre älter als Vivaldi, ging Tomaso Albinoni dreizehn vor ihm bei der Veröffentlichung seiner ersten Sammlung von Symphonien und Konzerten in fünf op. 2, die 1700 in Venedig aus den Druckereien von Sala herauskam (bekanntlich erblickten die zwölf Konzerte von Vivaldis Estro Armonico 1713 in Amsterdam das Licht). Auch die grundlegende albinonische Oper ging vierzehn Jahre vor Corellis berühmter Oper Vi zurück, auch wenn zahlreiche Zeugnisse bestätigen, dass das musikalische Europa nicht auf die posthume Veröffentlichung (1714) dieser Meisterwerke warten musste, um sie zu bewundern und als Vorbild für die knappen Architektur, da seit dem letzten Jahrzehnt des 17. Abgesehen von chronologischen Meilensteinen hat Albinoni den (offensichtlich, aber nicht ausschließlichen) Verdienst, im Kontext der venezianischen Musikkultur die Strukturen des Barockkonzerts in den beiden "Genres" Kirche und Kammermusik definiert zu haben: Das erste gehört zu schöne Symphonie in A-Dur, die, obwohl sie den alten Namen behält, der der Potaler Instrumentalität des späten 17. die Masse von "allen". Die Komposition beginnt mit einem Grave, das von Figurationen geprägt ist, in spitzem Rhythmus, eng imitiert zwischen den beiden Geigen, auf dem Hintergrund der beiden Bratschen und des Basses. Es folgt ein Allegro fugato mit zwei Themen, die eine szenografische Polyphonie für fünf Stimmen spielen, aus der die erste und zweite Violine mit kurzen Soloeingriffen hervorgehen. Ein Adagio an das relative Moll, das von leidenschaftlicher Kantabilität gekennzeichnet ist, leitet das letzte Allegro im Jig-Takt mit lebhafter Fuge ein.
Sinfonie g-Moll für Streicher und Continuo op. 2 n. 11
Als Geiger und Schüler für Gesangsprobleme zeichnete sich Albinoni als fruchtbarer Opernspieler in Venedig, Mantua, Florenz und München aus, indem er etwa fünfzig weitgehend verschollene Melodramen schrieb: Er vertonte auch Metastasios La Didone Abbata (1725). Zusammen mit Vivaldi, mit dem er befreundet war, gehört er zur glorreichen venezianischen Musikschule, die im 18. Jahrhundert große Bedeutung und Einfluss auf die Definition und Entwicklung des Solokonzerts im Instrumentalbereich hatte.
Sicherlich ist Vivaldis Beitrag zu dieser musikalischen Ausdrucksform allgemeiner bekannt und geschätzt, aber es ist nicht zu leugnen, dass Giuseppe Torelli, ein Veroneser aus der Instrumentalschule von Bologna, und Tomaso Albinoni auch wichtige Glieder im Prozess der Transformation der Beziehung zwischen „Solo“ und „Tutti“ zwecks abwechslungsreicherer und organischerer Artikulation des Orchesters, auch um den Beitrag des Interpreten in einer virtuosen Funktion hervorzuheben. Insbesondere in Albinonis Instrumentalmusikproduktion enthält die Abfolge der drei Tempi Allegro - Adagio - Allegro, die die üblichen vier Tempi der Sinfonien ersetzten, drei statt zwei Soloperioden, was Beispiele für eine breitere thematische Ausarbeitung bietet.
Es ist auch anzumerken, dass in den verschiedenen Albinon-Sammlungen, die für mehrere Streicher und das Soloinstrument, ob Violine oder Cello oder Oboe, geschrieben wurden, die dem "Solo" anvertrauten Themen einen breiteren und artikulierteren Atem annehmen, als ob sie die Vorliebe für jene Art des Solo-Diskurses, die später, beginnend mit Giuseppe Tartini bis zum gesamten 19. Jahrhundert, breite Resonanz gefunden hätte. Auch im Bereich der Sonaten und Konzerte für Streicher ist die Bedeutung Albinonis von Bedeutung für die Wesentlichkeit des melodischen Motivs und die Vorliebe für langsame Sätze, aufgeladen von einer ausgeprägten Lyrik, in einer harmonischen Struktur, die sich ständig auf das Verhältnis von Tonika und Dominante konzentriert . .
Ein Beispiel für Albinonis musikalische Eigenschaften kann man der Sonate a cinque in g-Moll entnehmen, die als sechste von op. 2 erstmals 1695 in Amsterdam und dann 1700 in Venedig veröffentlicht und in die Sammlung "Sinfonie e Concerti a cinque für zwei Violinen, Alt, Tenor, Cello und Bass" aufgenommen. Der Begriff Symphonie ist in diesem Fall im klassischen Sinne zu verstehen, als Komposition für ein eher kompaktes Instrumentalensemble, das in vier Sätze unterteilt ist, in denen sich zwei adagi-Tempi mit zwei fröhlichen Tempi abwechseln. Tatsache bleibt, dass diese Symphonien stilistisch Kammersonaten sind, mit allen Geigenfiguren und Schnörkeln typisch venezianischer Abstammung.
Albinonis Adagio in g-Moll ist eines der beliebtesten Stücke. Das Kino hat es immer wieder verwendet, sein langsames Tempo - und dieses tiefe barocke Sticken von Schnüren - drückt eine emotionale Wirkung aus, die für die bewegendsten Szenen geeignet ist. Ein einziges Zitat? "Broken Years", ein Film von Peter Weir aus dem Jahr 1981, aber die Liste könnte Seiten um Seiten lang sein. Aber dieses Adagio wird auch bei Begräbniszeremonien gespielt, von Enrico Berlinguer bis Margaret Thatcher. Doch die Geschichte dieses Meisterwerks ist komplizierter. Tatsächlich wäre es der größte Betrug in der Musikgeschichte.
Dieser schlichte Barocksatz stammt von einem venezianischen Komponisten, Tomaso Giovanni Albinoni (Venedig, 1671), der Gesang studierte und Geiger wurde, aber bald sein Talent sowohl in der Opern- als auch in der Instrumentalkomposition einbrachte. Albinoni bezeichnete sich selbst als "einen venezianischen Amateur", aber in Wahrheit machte er die Musik bis zu seinem Tod (1751) zu seinem Beruf. Da seine Werke nie veröffentlicht wurden, war er vor allem für seine 99 Sonaten, 59 Konzerte und 9 Symphonien bekannt, die zu seiner Zeit mit den Produktionen der Zeitgenossen Antonio Vivaldi und Arcangelo Corelli verglichen wurden.
Nach Albinonis Tod gelangte ein Großteil seiner Musik in die Sächsische Landesbibliothek, wo sie aufbewahrt wurde, bevor sie bei den Bombenangriffen 1945 vollständig zerstört wurde Violin Musician Veneto"), die die restlichen Werke katalogisiert. Einige Jahre später behauptete Giazotto, ein Fragment von Albinonis unveröffentlichter Musik aus der Dresdner Bibliothek gefunden zu haben: ein kleines Manuskript, wahrscheinlich aus dem langsamen Satz einer Sonate in g-Moll, die nur aus einem Basso continuo und sechs Takten von Melodie. . Der Gelehrte behauptete daraufhin, Albinonis Einzelsatz als Hommage an den Komponisten vollendet zu haben und veröffentlichte 1958 unter demselben Namen das berühmte Adagio in g-Moll , in denen der Öffentlichkeit. The Doors haben es auf dem 1978er Album "An American Player" neu interpretiert und wir könnten andere Neuinterpretationen anführen, darunter die von Rock Progressive. Das Adagio ist sogar in Fernsehwerbespots auf der ganzen Welt zu finden.
Laut Musikwissenschaftlern bleibt Giazottos Operation auf ihre Weise das Zeugnis eines falschen Historikers, das zu großem Erfolg wurde: Im 20 . Der Siegeszug setzt sich bis ins 21. Jahrhundert fort, so dass das Lied kürzlich komplett in der Fernsehserie "Die Ermordung von Gianni Versace" verwendet wurde. Seine Melancholie und emotionale Kraft hält seine Stärke intakt und ich bin sicher, dass Albinoni Giazotto für diese Hommage danken wird.
Figlio di un cartaio, aveva studiato la musica da dilettante ma dovette ben presto dedicarvisi come professionista essendo mutate le condizioni economiche della ditta patema. Fu a Firenze nel 1703 e poi ancora nel 1722, a Monaco nel 1722, ma passò la maggior parte della vita a Venezia, dove per qualche tempo suonò il violino in orchestra di teatro, entrò in amicizia con Vivaldi e in campo operistico fu considerato un temibile rivale di Francesco Gasparini. Fu compositore fecondissimo (scrisse fino al 1740 una cinquantina di opere teatrali, di cui oggi ci rimangono solo poche arie, e gran copia di sinfonie, concerti, sonate e altra musica strumentale), ma dal 1740 circa aveva abbandonato ogni attività.Albinoni fu violinista provetto e, come tale, entra con una funzione precisa nella storia della fiorente scuola violinistica italiana del Settecento. Egli "sente" profondamente lo spirito degli strumenti ad arco ed è per questo forse che le sue piu ispirate e significative composizioni sono appunto quelle strumentali, dove ebbe modo di profondere le sue ricche doti musicali. Tipico rappresentante del barocco italiano, ha un gusto preciso e sottile per l'ampio arco melodico, per l'armonia raffinata, per una strumentazione accurata. I suoi ritmi sono elastici e leggeri, il discorso è sempre nobile ed espressivo, l'orchestra si fonde in un corpo unico capace di coloriti diversissimi, preludendo in qualche punto agli sviluppi della scuola di Mannheim, al crescendo e a una cura minuziosa della dinamica.Con l'introduzione nelle op. 7 e 9 di strumenti a fiato (oboi) egli getta le basi per un ampliamento dell'orchestra, insegnando a fondere la sonorità dei fiati con quella degli archi. Inoltre individua con chiarezza superiore a quella dei suoi predecessorie contemporanei il concetto di "sinfonia", intesa come brano strumentale in cui tutti gli strumenti dell'orchestra concorrono in ugual misura a dar vita al discorso musicale, a differenza del concerto dove si accentuava lo spezzettamento del discorso tra i "soli" e il "tutti" orchestrale. È sintomatico che Bach abbia studiato a fondo, insieme a quelle di Vivaldi, le composizioni di Albinoni, musicista che egli poneva sullo stesso piano del " Prete Rosso": ed è dalle composizioni di Albinoni che Bach apprese molti accorgimenti rimasti poi tipici in tutta la sua più importante produzione.Non è possibile per Albinoni, come non lo è per molti altri autori barocchi italiani e stranieri, entrare nei dettagli delle singole composizioni. La sua produzione è vastissima e non si può dire che esistano finora dei pezzi che si siano impostiin modo particolare all'attenzione del pubblico; né tra le raccolte di musiche da lui pubblicate ve n'è qualcuna che eccella in modo particolare sulle altre. Per tutta la sua produzione valgono le caratteristiche stilistiche di cui si è detto nella parte introduttiva. Si tenga presente che molte composizioni di Albinoni sono rimaste manoscritte, e vengono riesumate gradualmente dall'amore di alcuni musicologi appassionati dell'antica produzione italiana.
Concerto in do maggiore per due oboi, archi e basso continuo, op. 9 n. 9
L'oboe, introdotto in Italia dalla Francia verso la fine del XVII secolo, fu dapprima usato come rinforzo degli archi. Àlbinoni fu tra i primi compositori italiani, assieme all'oboista virtuoso Giuseppe Sammartini, ad Alessandro Marcello e a Vivaldi, a scrivere dei concerti solistici per questo strumento, che a quell'epoca era dotato solo di due o tre chiavi. Del «dilettante veneto, musico di violino», come Albinoni stesso amava definirsi, ci rimangono 16 composizioni originali per oboe, equamente distribuite nell'op. 7 e nell'op. 9. Le due raccolte, pubblicate ad Amsterdam rispettivamente da Roger nel 1715 e da Le Cene nel 1722, sono simmetricamente divise in quattro concerti per violino (per archi nell'op. 7), quattro per oboe e quattro per due oboi. In questi lavori l'autore dimostra di conoscere a fondo le possibilità tecniche ed espressive dello strumento, che fu introdotto a San Marco nel 1698 e alla Pietà intorno al 1706, e di non essersi limitato a sostituire semplicemente il violino con l'oboe.
Albinoni decise di dedicare l'op. 9 a Maximilian Emmanuel II di Baviera perché probabilmente aveva sentito parlare della bravura degli oboisti attivi in quella corte. I concerti furono verosimilmente ben accolti dal momento che il «dilettante veneto» fu successivamente invitato a Monaco per organizzare le feste musicali in occasione delle nozze del principe elettore Carlo Alberto di Baviera con Maria Amalia, figlia più giovane di Giuseppe I.
Il Concerto in do maggiore per due oboi, archi e continuo op. 9 n. 9 è il penultimo dei concerti "doppi" presenti nella raccolta, che generalmente comprende composizioni più elaborate rispetto ai modelli offerti dall'op. 7. La tonalità di do maggiore è presente in quattro degli otto concerti per due oboi di Albinoni (dei rimanenti quattro, due sono in re maggiore e due in fa e sol maggiore). Ciò deriva dal fatto che spesso nel Settecento l'oboe veniva assimilato per funzioni e sonorità alla tromba, le cui tonalità naturali erano appunto quelle di do e re maggiore.
Nel primo movimento (Allegro, 4/4), gli interventi dell'orchestra sono articolati in tre-quattro motivi, variamente ricomposti ed elaborati nelle riproposizioni del tutti. I soli non hanno valore tematico ma si limitano ad un formulario melodico, prevalentemente per terze parallele, fatto di scalette, arpeggi, rapidi passaggi in semicrome, oppure di brevi incisi ripetuti o separati da una pausa di croma.
Nel movimento centrale (Adagio, la minore) l'ampio respiro lirico del canto degli oboi viene impreziosito dalle imitazioni tra i solisti e gli archi. È importante notare che qui, come negli altri tempi lenti dell'op. 9, Albinoni preferisce servirsi di una tessitura musicale più elaborata, diversamente dalla moda dell'epoca di semplificare questo movimento per permettere la libera improvvisazione dell'esecutore.
La struttura a ritornelli si ripresenta nell'ultimo tempo (Allegro, 3/8) che con quello iniziale condivide non solo la stessa struttura formale ma anche un identico percorso armonico: do maggiore - sol maggiore - la minore - mi minore - do maggiore. La diversità più evidente tra i due movimenti è costituita, oltre che dal ritmo, dal comportamento dei soli che, a differenza del primo movimento, hanno carattere tematico e sviluppano frequenti imitazioni.
Sinfonia in la maggiore, per archi e basso continuo, op. 2 n. 5
Di sette anni più anziano di Vivaldi, Tomaso Albinoni lo precedette di tredici nella pubblicazione della sua prima raccolta di Sinfonie e Concerti a cinque op. 2, uscita in Venezia dai torchi dello stampatore Sala nel 1700 (come è noto, i dodici Concerti dell'Estro Armonico vivaldiano videro la luce ad Amsterdam nel 1713). La fondamentale opera albinoniana precedette altresì, e di ben quattordici anni, la famosa opera Vi di Corelli, anche se è accertato da numerose testimonianze che l'Europa musicale non dovette attendere la pubblicazione postuma (1714) di quei capolavori per ammirarne e assumerne a modelli le terse architetture, giacché copie manoscritte dei Concerti grossi corelliani circolavano nelle sale di musica e negli archivi patrizi fin dall'ultimo decennio del secolo XVII. Traguardi cronologici a parte, ad Albinoni spetta il merito (ovviamente, non esclusivo) di avere definito, nell'ambito della civiltà musicale veneta, le strutture del Concerto barocco nei due «generi» da chiesa e da camera: al primo di questi appartiene la bellissima Sinfonia in la maggiore, che, quantunque conservi il vecchio nome caro alla strumentalità padana del tardo Seicento, si deve in realtà considerare come un vero Concerto grosso, articolato nei quattro tipici movimenti, con episodici stacchi dei soli contro la massa dei «tutti». La composizione si apre con un Grave caratterizzato da figurazioni, in ritmo puntato, strettamente imitate tra i due violini, sullo sfondò delle due viole e del basso. Segue un Allegro fugato a due soggetti che svolgono una scenografica polifonia a cinque voci, dalla quale primo e secondo vìolino emergono con brevi interventi solistici. UnAdagio al relativo minore, improntato a fervida cantabilità, introduce l'Allegro finale in tempo di giga, con vivace esposizione fugata.
Sinfonia in sol minore, per archi e basso continuo, op. 2 n. 11
Violinista e studioso dei problemi del canto, Albinoni si distinse come fecondo operista a Venezia, Mantova, Firenze e Monaco di Baviera, scrivendo una cinquantina di melodrammi in gran parte, andati perduti: musicò anche La Didone abbandonata di Metastasio (1725). Insieme a Vivaldi, di cui fu amico, egli appartiene alla gloriosa scuola musicale veneziana, che nel Settecento ebbe grande rilevanza e influenza per la definizione e lo sviluppo del concerto solistico in campo strumentale.
Certamente il contributo di Vivaldi a questa forma di espressione musicale è più universalmente conosciuto e apprezzato, ma non si può negare che anche Giuseppe Torelli, veronese della scuola strumentale di Bologna, e Tomaso Albinoni siano stati anelli importanti nel processo di trasformazione del rapporto tra «solo» e «tutti», ai fini di una più varia e organica articolazione orchestrale, anche per mettere in maggiore evidenza il contributo dell'esecutóre in funzione virtuosistica. In particolare, nella produzione di musica strumentale di Albinoni, la successione dei tre tempi Allegro - Adagio - Allegro, che sostituivano i soliti quattro tempi delle sinfonie, contiene tre periodi solistici invece di due, offrendo esempi di più ampia elaborazione tematica.
Va rilevato inoltre come nelle diverse raccolte albinoniane scritte per più archi e lo strumento solista, sia violino o violoncello o oboe, i temi affidati al «solo» assumano un respiro più ampio e articolato, quasi a sottolineare la preferenza del compositore verso quel tipo di discorso solistico che avrebbe avuto larga risonanza in seguito, a cominciare da Giuseppe Tartini e fino a tutto l'Ottocento. Anche nel campo delle sonate e dei concerti per archi l'importanza di Albinoni è significativa per l'essenzialità del motivo melodico e il gusto per i movimenti lenti, carichi di uno spiccato lirismo, in una tessitura armonica puntata continuamente sul rapporto fra tonica e dominante.
Un esempio delle caratteristiche musicali di Albinoni si può ricavare dall'ascolto della Sonata a cinque in sol minore, classificata come la sesta dell'op. 2 edita dapprima nel 1695 ad Amsterdam e poi a Venezia nel 1700 e compresa nella raccolta conosciuta con il titolo di «Sinfonie e Concerti a cinque per due violini, alto, tenore, violoncello e basso». In questo caso il termine di sinfonia va inteso nel senso classico della parola, come componimento destinato ad un complesso strumentale piuttosto compatto e articolato in quattro movimenti in cui si alternano due tempi adagi a due tempi allegri. Ciò non toglie che queste sinfonie siano stilisticamente delle sonate da camera, con tutte le figurazioni e fioriture violinistiche di tipica ascendenza veneziana.
L’Adagio in Sol minore di Albinoni è uno dei pezzi più popolari. Il cinema lo ha più e più volte utilizzato, il suo andamento lento – e quel profondo ricamo barocco di archi – esprime un impatto emotivo adatto alle scene più commoventi. Un’unica citazione? “Gli anni spezzati”, un film del 1981 di Peter Weir, ma la lista potrebbe essere lunga pagine e pagine. Ma questo Adagio viene suonato anche nelle cerimonie funebri, da Enrico Berlinguer a Margaret Thatcher. Eppure la storia di questo capolavoro è più complicata di così. Si tratterebbe infatti della più grande frode nella storia della musica.
Questo semplice movimento barocco proviene da un compositore veneziano, Tomaso Giovanni Albinoni (Venezia, 1671), che aveva studiato canto ed era divenuto un violinista, ma ben presto prestò il suo talento alla composizione sia operistica che strumentale. Albinoni si riferiva a se stesso come a “un dilettante veneto”, ma in verità fece della musica il suo mestiere, fino alla sua morte (nel 1751). Poiché le sue opere non furono mai pubblicate, fu conosciuto soprattutto per le sue 99 Sonate, i 59 Concerti e le 9 Sinfonie che erano, ai suoi tempi, favorevolmente paragonate alle produzioni dei contemporanei Antonio Vivaldi e Arcangelo Corelli.
Dopo la morte di Albinoni, gran parte della sua musica si diresse verso la Biblioteca di Stato sassone, dove venne conservata prima di andare completamente distrutta nei bombardamenti del 1945. E proprio in quell’anno, il musicologo Remo Giazotto scrisse una biografia di Albinoni (il libro s’intitola “Musico di Violino Dilettante Veneto”), catalogandone le opere rimanenti. Qualche anno dopo, Giazotto affermò di aver recuperato un frammento di musica inedita di Albinoni dalla Biblioteca di Dresda: un pezzetto di manoscritto, probabilmente del lento movimento di una Sonata in Sol minore, che consisteva solo in un basso continuo e in sei battute di melodia. Lo studioso affermò quindi di aver completato il singolo movimento di Albinoni in omaggio al compositore e pubblicò, con il nome del medesimo, il famoso Adagio in Sol minore nel 1958. Il brano entrò velocemente nelle grazie di musicisti, classici e non solo, e, soprattutto, in quelle del pubblico. I Doors lo reinterpretarono nell’album “An american player” del 1978 e potremmo citare altre rivisitazioni, incluse quelle del Rock Progressive. L’Adagio si ritrova persino nelle pubblicità televisive, in tutto il mondo.
Secondo i musicologi, l’operazione di Giazotto rimane, a suo modo, la testimonianza di un falso storico trasformato in grande successo: nel XX secolo, egli sviluppò il frammento di Albinoni completando un’opera secondo le regole – e il gusto – barocco. Il trionfo prosegue anche nel XXI secolo, tanto che il brano è stato di recente utilizzato interamente nella serie televisiva “The assassination of Gianni Versace”. La sua potenza malinconica ed emotiva mantiene intatta la sua forza ed io son certa che Albinoni ringrazierebbe Giazotto per questo omaggio.
