Joys and Woes of Marriage in India - Review by Maria Teresa De Donato

 

Joys and Woes of Marriage in India

by Hemalatha Gnanasekar

 

Review by Maria Teresa De Donato

 

We have already encountered Hemalatha Gnanasekar's work through her publications Life Lessons from India—A Woman's Memoir and The Guilt Is Alive, which both allowed us to appreciate her nurturing, empathic, and caring nature and feel her deep and boundless Love for her family.

 

In Joys and Woes of Marriage in India, Hemalatha explores the cultural traditions and behaviors of young Indian married couples, highlighting the many issues they might face, especially during the first months of marriage.

 

The greatest challenge is moving into their in-laws' family, adjusting to their different ways of Life, and trying to get along with everybody. At times, however tricky and unpredictable these situations might be, they are the hardest and yet most educational life lessons one might get. They help young and married women refine their personalities, get out of their shells, and learn how to negotiate, compromise, and adapt.

Should problems arise between mothers-in-law and daughters-in-law, fiancés or even husbands will hardly side with their girlfriends or wives. Respect for parents and a highly regarded sense of duty are expected and demanded in the Indian cultural and family establishment.

 

The success of the new couple's married life will strongly depend on personality, adaptability, and ability to cope with unfamiliar and uncomfortable situations and requests expected by her in-laws.

 

The "marriage arrangement" organized and taken care of by a family member – usually a man, be it the father, an uncle, or the eldest son – is still rooted in Indian culture. Once consulted, the temple priest will recommend "the auspicious time for the marriage" after carefully examining the horoscopes of the spouses-to-be.

 

The result of these "alliances" between families can be very successful if the bride and the groom like each other, fall in love, and get along, or a total disaster if they do not. In the latter case, they will feel trapped in a marriage with no way out.

 

Regardless of Life's ups and downs and our ability or lack of ability to negotiate and adapt to the new, all issues—or most of them—can be quickly resolved when true Love, empathy, and patience lead our lives.

 

Hence, despite some evident differences among cultures, Hemalatha's message to the readers seems to be, "Sometimes all young ladies—and not just them—need to do to solve differences, misunderstandings, and difficult situations is to kindly talk to their husbands with an open heart while expressing their true feelings and worries about challenging situations they are being confronted with. Respect, kindness, and setting a good example can be instrumental to gaining their trust and unconditional Love and that of their in-laws.

 

Once again, through her gentle, kind approach and appealing writing style, the Author highlights the importance of love in our lives and the fact that true love can perform miracles if we only give it a chance. Thus, she reminds us that Love can happen at all ages and in the most sudden and unpredictable settings and ways.

 

Joys and Woes of Marriage in India is a beautiful publication I recommend to people of all ages, especially those interested in Indian culture and traditions.

 

Gioie e dolori del matrimonio in India - Recensione di Maria Teresa De Donato

 

Gioie e dolori del matrimonio in India

di Hemalatha Gnanasekar

 

Recensione di Maria Teresa De Donato

 

 

Abbiamo già incontrato il lavoro di Hemalatha Gnanasekar attraverso le sue pubblicazioni Life Lessons from India—A Woman's Memoir (Lezioni di vita dall'India: memorie di una donna e The Guilt Is Alive (Il senso di colpa è vivo) che ci hanno permesso di apprezzare la sua natura affabile, empatica e premurosa e di percepire il suo profondo e sconfinato amore per la propria famiglia.

In Joys and Woes of Marriage in India, Hemalatha esplora le tradizioni culturali e i comportamenti delle giovani coppie sposate indiane, evidenziando i numerosi problemi che potrebbero affrontare, soprattutto durante i primi mesi di matrimonio.

La sfida più grande è trasferisi a casa dei suoceri, adattarsi ai loro diversi stili di vita e cercare di andare d'accordo con tutti i membri della famiglia. A volte, per quanto difficili e imprevedibili possano essere queste situazioni, esse rappresentano le lezioni di vita più difficili e tuttavia più istruttive che si possano ricevere. Aiutano le donne giovani e sposate a raffinare la propria personalità, a uscire dal guscio e a imparare a negoziare, scendere a compromessi e adattarsi. Se dovessero sorgere problemi tra suocere e nuore, fidanzati o persino mariti difficilmente si schiereranno dalla parte delle loro fidanzate o mogli. Il rispetto per i genitori e un senso del dovere sono molto apprezzati, attesi e richiesti nell'establishment culturale e familiare indiano.

Il successo della vita coniugale della nuova coppia dipenderà fortemente dalla personalità, dall'adattabilità e dalla capacità di affrontare situazioni e soddisfare aspettative non familiari, e scomode, attese dai suoceri.

L'"accordo matrimoniale" organizzato e curato da un membro della famiglia, solitamente un uomo, che sia il padre, uno zio o il figlio maggiore, è ancora radicato nella cultura indiana. Una volta consultato, il sacerdote del tempio consiglierà "il momento propizio per il matrimonio" dopo aver esaminato attentamente gli oroscopi dei futuri sposi.

Il risultato di queste "alleanze" tra famiglie può essere molto positivo se la sposa e lo sposo si piacciono, si innamorano e vanno d'accordo, oppure un disastro totale nel caso questo non accadesse. In quest'ultima evenienza, gli sposi si sentiranno intrappolati in un matrimonio senza via d'uscita.

Indipendentemente dagli alti e bassi della vita e dalla nostra capacità o mancanza di capacità di negoziare e adattarci al nuovo, tutti i problemi, o la maggior parte di essi, possono essere rapidamente risolti quando il vero amore, l'empatia e la pazienza guidano le nostre vite.

Pertanto, nonostante alcune evidenti differenze tra le culture, il messaggio di Hemalatha ai lettori sembra essere: "A volte ciò che tutte le giovani donne, e non solo loro, devono fare per risolvere divergenze, incomprensioni e situazioni difficili è parlare gentilmente ai loro mariti con un cuore aperto, esprimendo i loro veri sentimenti e preoccupazioni sulle situazioni difficili che stanno affrontando. Rispetto, gentilezza e buon esempio possono essere fondamentali per ottenere la loro fiducia e il loro amore incondizionato e quello dei loro suoceri.

Ancora una volta, attraverso il suo approccio gentile e amorevole e il suo stile di scrittura accattivante, l'autrice sottolinea l'importanza dell'amore nella nostra vita e il fatto che il vero amore può fare miracoli se solo gli diamo la possibilità. Ci ricorda, qundi, che l'amore può arrivare a qualsiasi età e nei contesti e nei modi più improvvisi e imprevedibili.

Gioie e i dolori del matrimonio in India è una bellissima pubblicazione che consiglio a persone di tutte le età e in particolare a coloro che fossero interessati alla cultura e alle tradizioni indiane.

 

Freuden und Leiden der Ehe in Indien - Rezension von Maria Teresa De Donato

 

Freuden und Leiden der Ehe in Indien

von Hemalatha Gnanasekar

 

Rezension von Maria Teresa De Donato

Wir sind Hemalatha Gnanasekars Werk bereits durch ihre Veröffentlichungen Life Lessons from India – A Woman’s Memoir (Lebenslektionen aus Indien – Die Memoiren einer Frau) und The Guilt Is Alive (Die Schuld lebt) begegnet, die uns ihre fürsorgliche, empathische und liebevolle Art schätzen und ihre tiefe und grenzenlose Liebe zu ihrer Familie spüren ließen.

In Joys and Woes of Marriage in India untersucht Hemalatha die kulturellen Traditionen und Verhaltensweisen junger indischer Ehepaare und hebt die vielen Probleme hervor, mit denen sie konfrontiert werden können, insbesondere in den ersten Monaten der Ehe.

Die größte Herausforderung besteht darin, in die Familie der Schwiegereltern zu ziehen, sich an ihre unterschiedlichen Lebensweisen anzupassen und zu versuchen, mit allen auszukommen. Egal wie schwierig und unvorhersehbar diese Situationen manchmal auch sein mögen, sie sind die schwierigsten und doch lehrreichsten Lektionen, die man im Leben lernen kann. Sie helfen jungen und verheirateten Frauen, ihre Persönlichkeit zu verfeinern, aus sich herauszukommen und zu lernen, wie man verhandelt, Kompromisse schließt und sich anpasst. Sollte es zwischen Schwiegermüttern und Schwiegertöchtern zu Problemen kommen, werden Verlobte oder sogar Ehemänner kaum Partei für ihre Freundinnen oder Ehefrauen ergreifen. Respekt für die Eltern und ein hohes Pflichtbewusstsein werden im indischen Kultur- und Familienestablishment erwartet und gefordert.

Der Erfolg des Ehelebens des neuen Paares wird stark von der Persönlichkeit, Anpassungsfähigkeit und der Fähigkeit abhängen, mit ungewohnten und unangenehmen Situationen und den Anforderungen der Schwiegereltern umzugehen.

Die „Ehevereinbarung“, die von einem Familienmitglied – normalerweise einem Mann, sei es der Vater, ein Onkel oder der älteste Sohn – organisiert und betreut wird, ist noch immer in der indischen Kultur verwurzelt. Nach Rücksprache wird der Tempelpriester nach sorgfältiger Prüfung der Horoskope der zukünftigen Ehepartner „den günstigsten Zeitpunkt für die Hochzeit“ empfehlen.

Das Ergebnis dieser „Allianzen“ zwischen Familien kann sehr erfolgreich sein, wenn Braut und Bräutigam sich mögen, sich verlieben und miteinander auskommen, oder ein totales Desaster, wenn dies nicht der Fall ist. Im letzteren Fall werden sie sich in einer Ehe gefangen fühlen, aus der es keinen Ausweg gibt.

Ungeachtet der Höhen und Tiefen des Lebens und unserer Fähigkeit oder Unfähigkeit, zu verhandeln und uns an das Neue anzupassen, können alle Probleme – oder die meisten davon – schnell gelöst werden, wenn wahre Liebe, Empathie und Geduld unser Leben bestimmen.

Trotz einiger offensichtlicher Unterschiede zwischen den Kulturen scheint Hemalathas Botschaft an die Leser zu sein: „Manchmal müssen junge Frauen – und nicht nur sie – zur Lösung von Meinungsverschiedenheiten, Missverständnissen und schwierigen Situationen nur freundlich und offen mit ihren Ehemännern sprechen und dabei ihre wahren Gefühle und Sorgen über die schwierigen Situationen ausdrücken, mit denen sie konfrontiert sind. Respekt, Freundlichkeit und ein gutes Beispiel können entscheidend dazu beitragen, ihr Vertrauen und ihre bedingungslose Liebe sowie das ihrer Schwiegereltern zu gewinnen.

Durch ihre sanfte, freundliche Herangehensweise und ihren ansprechenden Schreibstil unterstreicht die Autorin erneut die Bedeutung der Liebe in unserem Leben und die Tatsache, dass wahre Liebe Wunder vollbringen kann, wenn wir ihr nur eine Chance geben. So erinnert sie uns daran, dass Liebe in jedem Alter und in den plötzlichsten und unvorhersehbarsten Situationen und auf die unerwartetste und unvorhersehbarste Art und Weise geschehen kann.

Joys and Woes of Marriage in India ist eine wunderschöne Veröffentlichung, die ich Menschen jeden Alters empfehle, insbesondere denen, die sich für indische Kultur und Traditionen interessieren.

 

Arthur Leslie Benjamin (UK)

 

(Sydney, September 18, 1893 – London, April 10, 1960) 

He was an Australian composer, pianist and conductor, best known for his Storm Clouds Cantata, featured in Alfred Hitchcock's film The Man Who Knew Too Much.

His first public appearance as a pianist dates back to 1899, when Benjamin was only 6 years old. Only three years later, he began the actual study of music, and in 1911, he had the opportunity to enter the prestigious Royal College of Music in London, where he studied with masters such as Charles Villiers Stanford, Thomas F Dunhill,, he returned to Australia, where he taught piano at the New South Wales State Conservatorium of Music and Frederick Cliffe. After fighting in the Royal Air Force during the First World War he returned to Australia, where he taught piano at the New South Wales State Conservatorium of Music, before returning with the same professorship at the Royal College of Music in London. Among his best students of the time, we can find artists such as Muir Mathieson, Peggy Glanville-Hicks, Miriam Hyde, Joan Trimble, Stanley Bate, Bernard Stevens, Lamar Crowson, Alun Hoddinott and Benjamin Britten, whose "Holiday Diary" (suite for solo piano) is dedicated to Benjamin, as it tries to imitate the "mannerist" part of the Australian composer. In the wake of his growing success in 1926 he performed the national premiere of George Gershwin's Rhapsody in Blue.

In 1941, after moving to Vancouver, Canada, he was appointed director of the CBC Orchestra, a position he held until 1946 and which gave him fame throughout the New Continent, practically becoming the musical point of reference for all of Canada and beyond. . In this same period he had the opportunity to perform hundreds of concerts, as well as play for the radio and teach in several prestigious Canadian and American institutes.

Continuing his compositional work and teaching, he returned to England, to resume his post at the Royal College of Music (1946). Some of his most important works date back to these years, such as the Harmonica Concerto (1953), the ballet 'Orlando's Silver Wedding' (1951), 'Tombeau de Ravel' for clarinet and piano, the second string quartet (1959) and the Wind Quintet (1960). He had a deep admiration for Maurice Ravel, whose influence is very clear in 'Tombeau de Ravel' and the earlier 'Suite' of 1926 for solo piano.

Compared to more or less contemporary symphonies - Vaughan Williams' Sixth, Bax's Seventh, Britten's Requiem Symphony, Stravinsky's Symphony in C major, Copland's Third, Hindemith's Symphony in E flat major, for example - Benjamin's music hardly it startles or surprises. But you can hear it. The idiom is closer to Bax than anyone else. The opening movement should lower like a sky filled with storm clouds and thunder. Lyndon-Gee also appears to have little understanding of the architecture of the piece. One reviewer described this motivated work as "rhapsodic". It wasn't a compliment. 

He died in 1960 from complications of an illness (possibly hepatitis) contracted while on holiday with his wife in Sri Lanka.

Arthur Leslie Benjamin (ITA)

(Sydney, 18 settembre 1893 – Londra, 10 aprile 1960) 

È stato un compositore, pianista e direttore d'orchestra australiano, conosciuto maggiormente per la sua Storm Clouds Cantata, contenuta nel film di Alfred Hitchcock L'uomo che sapeva troppo.

La sua prima apparizione in pubblico come pianista risale al 1899, quando Benjamin aveva solo 6 anni. Solo tre anni dopo cominciò lo studio vero e proprio della musica e nel 1911 ebbe la possibilità di entrare nel prestigioso Royal College of Music di Londra, dove studiò con maestri quali Charles Villiers Stanford, Thomas F Dunhill e Frederick Cliffe. Dopo aver combattuto nell'aviazione reale durante la Prima guerra mondiale tornò in Australia, dove insegnò pianoforte presso il New South Wales State Conservatorium of Music, per ritornare poi, con la medesima cattedra presso il Royal College of Music di Londra. Fra i suoi migliori alunni dell'epoca possiamo ritrovare artisti quali Muir Mathieson, Peggy Glanville-Hicks, Miriam Hyde, Joan Trimble, Stanley Bate, Bernard Stevens, Lamar Crowson, Alun Hoddinott e Benjamin Britten, il cui "Holiday Diary" (suite per piano solo) è per l'appunto dedicata a Benjamin, poiché cerca di imitare la parte "manierista" del compositore australiano. Sull'onda del suo crescente successo nel 1926 eseguì la prima nazionale della Rapsodia in blu di George Gershwin.

Nel 1941, dopo essersi trasferito a Vancouver in Canada fu designato direttore della CBC Orchestra, posto che mantenne fino al 1946 e che gli fu donò fama in tutto il Nuovo Continente, diventando egli praticamente il punto di riferimento musicale per tutto il Canada e non solo. In questo stesso periodo ebbe modo di eseguire centinaia di concerti, oltre che di suonare per la radio e di insegnare in diversi prestigiosi istituti canadesi e statunitensi.

Continuando nella sua opera compositiva e nel suo insegnamento, ritornò in Inghilterra, per riprendere il suo posto al Royal College of Music (1946). A questi anni risalgono alcuni dei suoi lavori più importanti, quali l'Harmonica Concerto (1953), il balletto ‘Orlando's Silver Wedding' (1951), ‘Tombeau de Ravel' per clarinetto e piano, il secondo quartetto d'archi (1959) e il quintetto di fiati (1960). Ebbe una profonda ammirazione per Maurice Ravel, la cui influenza è molto chiara in ‘Tombeau de Ravel' e nella più precedente ‘Suite' del 1926 per piano solo.

Rispetto alle sinfonie più o meno contemporanee - Sesta di Vaughan Williams, Settima di Bax, Sinfonia da Requiem di Britten, Sinfonia in do maggiore di Stravinsky, Terza di Copland, Sinfonia in mi bemolle maggiore di Hindemith, ad esempio - la musica di Benjamin difficilmente fa sussultare o sorprende. Ma si sente. L'idioma si avvicina a Bax più di chiunque altro. Il movimento di apertura dovrebbe abbassarsi come un cielo pieno di nubi temporalesche e tuoni. Lyndon-Gee sembra anche avere poca comprensione dell'architettura del pezzo. Un recensore ha descritto questo lavoro motivato come "rapsodico". Non era un complimento. 

Morì nel 1960 per complicazioni di una malattia (forse epatite) contratta mentre era in vacanza con la moglie nello Sri Lanka.  

Arthur Leslie Benjamin (DE)

(Sydney, 18. September 1893 – London, 10. April 1960) 

Er war ein australischer Komponist, Pianist und Dirigent, der vor allem für seine Sturmwolkenkantate bekannt war, die in Alfred Hitchcocks Film „Der Mann, der zu viel wusste“ vorkam.

Seinen ersten öffentlichen Auftritt als Pianist datierte er im Jahr 1899, als Benjamin erst 6 Jahre alt war. Nur drei Jahre später begann er mit dem eigentlichen Musikstudium und 1911 hatte er die Gelegenheit, das renommierte Royal College of Music in London zu besuchen, wo er bei Meistern wie Charles Villiers Stanford, Thomas F. Dunhill und Frederick Cliffe studierte. Nachdem er im Ersten Weltkrieg in der Royal Air Force gekämpft hatte, kehrte er nach Australien zurück, wo er Klavier am New South Wales State Conservatorium of Music unterrichtete, bevor er mit derselben Professur an das Royal College of Music in London zurückkehrte. Zu seinen besten Schülern seiner Zeit zählen Künstler wie Muir Mathieson, Peggy Glanville-Hicks, Miriam Hyde, Joan Trimble, Stanley Bate, Bernard Stevens, Lamar Crowson, Alun Hoddinott und Benjamin Britten, dessen „Holiday Diary“ (Suite für Soloklavier) ist Benjamin gewidmet, da es versucht, den „manieristischen“ Part des australischen Komponisten zu imitieren. Im Zuge seines wachsenden Erfolgs führte er 1926 die landesweite Erstaufführung von George Gershwins Rhapsody in Blue auf.

1941, nach seinem Umzug nach Vancouver, Kanada, wurde er zum Direktor des CBC Orchestra ernannt, eine Position, die er bis 1946 innehatte und die ihm auf dem gesamten neuen Kontinent Ruhm verschaffte und praktisch zum musikalischen Bezugspunkt für ganz Kanada und darüber hinaus wurde. Im gleichen Zeitraum hatte er die Gelegenheit, Hunderte von Konzerten zu geben, im Radio zu spielen und an mehreren renommierten kanadischen und amerikanischen Instituten zu unterrichten.

Er setzte seine kompositorische Arbeit und Lehrtätigkeit fort und kehrte nach England zurück, um seine Stelle am Royal College of Music wieder aufzunehmen (1946). Einige seiner wichtigsten Werke stammen aus diesen Jahren, wie das Harmonikakonzert (1953), das Ballett „Orlandos Silberne Hochzeit“ (1951), „Tombeau de Ravel“ für Klarinette und Klavier, das zweite Streichquartett (1959) und das Bläserquintett (1960). Er hegte eine tiefe Bewunderung für Maurice Ravel, dessen Einfluss in „Tombeau de Ravel“ und in der früheren „Suite“ für Soloklavier von 1926 deutlich zu erkennen ist.

Im Vergleich zu mehr oder weniger zeitgenössischen Symphonien – zum Beispiel Vaughan Williams‘ Sechste, Bax‘ Siebte, Brittens Requiem-Symphonie, Strawinskys C-Dur-Symphonie, Coplands Dritte, Hindemiths Es-Dur-Symphonie – überrascht oder überrascht Benjamins Musik kaum. Aber man kann es hören. Die Redewendung ist Bax näher als jedem anderen. Der Eröffnungssatz sollte sich senken wie ein Himmel voller Gewitterwolken und Donner. Lyndon-Gee scheint auch wenig Verständnis für die Architektur des Stücks zu haben. Ein Rezensent beschrieb diese motivierte Arbeit als „rhapsodisch“. Es war kein Kompliment. 

Er starb 1960 an den Folgen einer Krankheit (möglicherweise Hepatitis), die er sich während eines Urlaubs mit seiner Frau in Sri Lanka zugezogen hatte. 

Amy Beach (UK)

(Henniker 1867 - New York 1944)

Amy Marcy Cheney Beach, pianist and composer, was the first American woman to write a symphony entitled Sinfonia Gaelica. Her mother was a pianist, and she immediately noticed her daughter's great talent, but she disapproved of her; since the age of two Amy knew musical writing and was able to improvise; At four she composed her first piece, and at seven, she performed in public, performing pieces by Handel, Beethoven, Chopin and her own compositions. However, her mother continued to hinder her prodigy, preventing Amy from using the piano; she was thus forced to play her little compositions on an imaginary keyboard.

When she was eight, the family moved to Boston; Amy began taking piano, harmony, counterpoint, and composition lessons. At sixteen, she made her debut as a solo pianist with the Boston Symphony Orchestra.

But her life changed direction at the age of eighteen, when she married the well-known physicist Henry Harris Aubrey Beach (whose initials H.H.A. Beach gave the name to many of Amy's compositions), twenty-five years her senior, who convinced him to dedicate himself to composition, thus abandoning his solo career, except for charitable occasions or to present his new works.

Amy Cheney Beach composed a mass, a symphony, an opera, concerts, sonatas, choral, and sacred music. She also wrote many poems, which she set to music together with those written by her husband.

Deeply romantic in spirit, his compositional style was rich in melodic creativity and unexpected rhythmic superpositions, to the point of sometimes recalling the sounds of Brahms and Rachmaninoff, but also exotic harmonies and tones that corresponded, in his poetics, to precise colors (the I was yellow, the sun was red).

Upon the death of her husband, Amy resumed performing in concert until the last years of her life, spent in a state of poor health in her apartment in New York, where she died of a heart attack. 

Amy Beach (ITA)

(Henniker 1867 - New York 1944)

Amy Marcy Cheney Beach, pianista e compositrice, fu la prima donna americana a scrivere una sinfonia dal titolo Sinfonia Gaelica. Sua madre era pianista e notò da subito il grandissimo talento della figlia, ma disapprovava; sin dall’età di due anni Amy conosceva la scrittura musicale ed era in grado di improvvisare; a quattro compose il primo brano e a sette si esibì in pubblico, eseguendo brani di Handel, Beethoven, Chopin e composizioni proprie. La madre però continuava a ostacolare il prodigio, impedendo ad Amy di utilizzare il pianoforte; lei era così costretta a suonare le sue piccole composizioni su una tastiera immaginaria.

Quando aveva otto anni la famiglia si trasferì a Boston; Amy iniziò a prendere lezioni di pianoforte, armonia, contrappunto e composizione; a sedici anni debuttò come pianista solista con la Boston Symphony Orchestra.

Ma la sua vita cambiò direzione all’età di diciotto anni, quando si sposò con il noto fisico Henry Harris Aubrey Beach (le cui iniziali H.H.A. Beach diedero il nome a molte composizioni di Amy), più anziano di lei di venticinque anni, che la convinse a dedicarsi alla composizione, abbandonando così la carriera solistica, eccetto che per occasioni a scopo benefico o per presentare i suoi nuovi lavori.

Amy Cheney Beach compose una messa, una sinfonia, un’opera, concerti, sonate, musica corale e sacra, scrisse tante poesie, che musicò assieme a quelle scritte dal marito.

Di spirito profondamente romantico, il suo stile compositivo era ricco di creatività melodica e inattese sovrapposizioni ritmiche, al punto da richiamare talvolta le sonorità di Brahms e Rachmaninoff, ma anche armonie esotiche e tonalità che corrispondevano, nella sua poetica, a dei colori precisi (il mi era il giallo, il sol il rosso).

Alla morte del marito Amy riprese a esibirsi in concerto fino agli ultimi anni di vita, trascorsi in uno stato di salute inferma nel proprio appartamento di New York, dove morì per un attacco di cuore. 

Amy Beach (DE)

(Henniker 1867 - New York 1944)

Amy Marcy Cheney Beach, Pianistin und Komponistin, war die erste Amerikanerin, die eine Symphonie mit dem Titel Sinfonia Gaelica schrieb. Ihre Mutter war Pianistin und bemerkte sofort das große Talent ihrer Tochter, missbilligte es jedoch; Seit ihrem zweiten Lebensjahr kannte Amy das Schreiben von Musik und konnte improvisieren; mit vier komponierte er sein erstes Stück und mit sieben trat er öffentlich auf und spielte Stücke von Händel, Beethoven, Chopin und seine eigenen Kompositionen. Ihre Mutter behinderte das Wunderkind jedoch weiterhin und hinderte Amy daran, das Klavier zu benutzen; Sie war daher gezwungen, ihre kleinen Kompositionen auf einer imaginären Tastatur zu spielen.

Als er acht Jahre alt war, zog die Familie nach Boston; Amy begann Klavier-, Harmonie-, Kontrapunkt- und Kompositionsunterricht zu nehmen; mit sechzehn Jahren debütierte er als Solopianist beim Boston Symphony Orchestra.

Doch im Alter von achtzehn Jahren änderte sich ihr Leben, als sie den bekannten Physiker Henry Harris Aubrey Beach (dessen Initialen H.H.A. Beach vielen von Amys Kompositionen den Namen gaben) heiratete, der fünfundzwanzig Jahre älter war als sie und ihn davon überzeugte, sich ihr zu widmen widmete sich der Komposition und gab damit seine Solokarriere auf, außer für wohltätige Anlässe oder zur Präsentation seiner neuen Werke.

Amy Cheney Beach komponierte eine Messe, eine Symphonie, eine Oper, Konzerte, Sonaten, Chor- und Kirchenmusik, sie schrieb viele Gedichte, die sie zusammen mit denen ihres Mannes vertonte.

Sein Kompositionsstil war von tiefem romantischem Geist und reich an melodischer Kreativität und unerwarteten rhythmischen Überlagerungen, bis er manchmal an die Klänge von Brahms und Rachmaninow erinnerte, aber auch an exotische Harmonien und Töne, die in seiner Poetik präzisen Farben entsprachen (das I war gelb, die Sonne war rot).

Nach dem Tod ihres Mannes trat Amy wieder auf, bis sie ihre letzten Lebensjahre in einem schlechten Gesundheitszustand in ihrer Wohnung in New York verbrachte und an einem Herzinfarkt starb. 

Antonio Bazzini (UK)

 

(Brescia, March 11, 1818 – Milan, February 10, 1897)

Bazzini was born in Brescia. As a boy he was a student of Faustino Camisani. At 17 he was appointed organist of a church in his hometown. The following year he met Paganini and was completely influenced by that master's art and style. Paganini encouraged Bazzini to begin his concert career that year, and he quickly became one of the most popular artists of his time. From 1841 to 1845, he lived in Germany, where Schumann was greatly admired both as a violinist and as a composer, as well as by Mendelssohn (Bazzini gave his first private performance of Violin Concerto). After a brief stay in Denmark in 1845, Bazzini returned to Brescia to teach and compose. In 1846 he played Naples and Palermo. In 1849-1850, he toured Spain, and from 1852 to 1863, he lived in Paris. He concluded his concert career with a tour of Holland in 1864.

Returning once again to Brescia, Bazzini devoted himself to composition, gradually abandoning the virtuosic operatic fantasies and character pieces, which had formed much of his early work. He composed an opera, Turanda, in 1867 and produced a series of dramatic cantatas, sacred works, concert overtures, and symphonic poems over the next two decades. However, his greatest success as a composer was with his chamber music compositions. In 1868 he became president of the Brescia Concert Society, and was active in promoting and composing for quartet societies in Italy. In 1873, he became a professor of composition at the Milan Conservatory, where he taught Catalani, Mascagni, and Puccini, and later became director in 1882. Bazzini died in Milan on 10 February 1897.

Bazzini was one of the most popular artists of his time and influenced the great opera composer Giacomo Puccini. His most enduring work is his chamber music, which is written in the classical forms of the German School and earned him a central place in the Italian instrumental Renaissance of the 19th century. Of particular note is his String Quartet no. 1, which won the first prize of the Society of Quartets of Milan in 1864. His music is characterized by a highly virtuosic technique, expressive without too much feeling. Bazzini played a violin by Giuseppe Guarneri, which passed to M. Soldat-Roeger upon his death.

Artists who have recorded his music include Chloë Hanslip. But many far better-known virtuoso violinists have distinguished themselves by undertaking to record his fiendishly difficult La ronde des lutins (or Dance of the Goblins, with its extended passages of rapid double stops, artificial harmonics in double registers (using all four left fingers) and left pizzicato. These include Bronislaw Huberman, Jascha Heifetz, Yehudi Menuhin, David Garrett, James Ehnes, and Itzhak Perlman.

Antonio Bazzini (ITA)

(Brescia, 11 marzo 1818 – Milano, 10 febbraio 1897)

Bazzini è nato a Brescia. Da ragazzo era un allievo di Faustino Camisani. A 17 anni è stato nominato organista di una chiesa nella sua città natale. L'anno successivo si è incontrato Paganini e fu completamente influenzato dall'arte e dallo stile di quel maestro. Paganini incoraggiò Bazzini a iniziare la sua carriera concertistica quell'anno e divenne rapidamente uno degli artisti più apprezzati del suo tempo. Dal 1841 al 1845 visse in Germania, dove fu molto ammirato Schumann sia come violinista che come compositore, oltre che da Mendelssohn (Bazzini ha tenuto la prima sua esibizione privata Concerto per violino). Dopo un breve soggiorno in Danimarca nel 1845, Bazzini tornò a Brescia per insegnare e comporre. Nel 1846 ha suonato Napoli e Palermo. Nel 1849-1850 fece un tour in Spagna e dal 1852 al 1863 visse Parigi. Ha concluso la sua carriera concertistica con un tour del Olanda nel 1864.

Tornato ancora una volta a Brescia, Bazzini si dedicò alla composizione, abbandonando gradualmente le fantasie operistiche virtuosistiche e i pezzi caratteristici, che avevano formato gran parte dei suoi primi lavori. Ha composto un'opera Turanda nel 1867 e produsse una serie di cantate drammatiche, opere sacre, aperture di concerti e poesie sinfoniche nei due decenni successivi. Tuttavia, il suo più grande successo come compositore è stato con le sue composizioni di musica da camera. Nel 1868 divenne presidente della Società dei Concerti di Brescia, e fu attivo nella promozione e nella composizione per società di quartetti in Italia. Nel 1873 divenne professore di composizione presso il Conservatorio di Milano, dove insegnava Catalani, Mascagni, e Puccini, e in seguito divenne direttore nel 1882. Bazzini morì a Milano il 10 febbraio 1897.

Bazzini è stato uno degli artisti più apprezzati del suo tempo e ha influenzato il grande compositore d'opera Giacomo Puccini. Il suo lavoro più duraturo è la sua musica da camera, che è scritta nelle forme classiche della scuola tedesca e gli è valsa un posto centrale nel rinascimento strumentale italiano del XIX secolo. Di particolare rilievo è il suo Quartetto per archi n. 1, che vinse il primo premio della Società dei Quartetti di Milano nel 1864. La sua musica è caratterizzata da una tecnica altamente virtuosistica, espressiva senza troppi sentimenti. Bazzini suonava un violino di Giuseppe Guarneri, che alla sua morte passò a M. Soldat-Roeger.

Gli artisti che hanno registrato la sua musica includono Chloë Hanslip. Ma molti violinisti virtuosi di gran lunga più noti si sono distinti impegnandosi a registrare la sua diabolica difficoltà La ronde des lutins (o Danza dei Goblin, con i suoi passaggi estesi di doppi arresti rapidi, armonici artificiali in doppi registri (utilizzando tutte e quattro le dita sinistre) e pizzicato sinistro. Questi includono Bronislaw Huberman, Jascha Heifetz, Yehudi Menuhin, David Garrett, James Ehnes, e Itzhak Perlman. 

Antonio Bazzini (DE)

(Brescia, 11. März 1818 – Mailand, 10. Februar 1897)

Bazzini wurde in Brescia geboren. Als Junge war er Schüler von Faustino Camisani. Mit 17 Jahren wurde er zum Organisten einer Kirche in seiner Heimatstadt ernannt. Im folgenden Jahr traf er Paganini und wurde vollständig von der Kunst und dem Stil dieses Meisters beeinflusst. Paganini ermutigte Bazzini, in diesem Jahr seine Konzertkarriere zu beginnen, und er wurde schnell zu einem der beliebtesten Künstler seiner Zeit. Von 1841 bis 1845 lebte er in Deutschland, wo Schumann sowohl als Geiger als auch als Komponist große Bewunderung genoss, ebenso wie bei Mendelssohn (Bazzini gab seinen ersten privaten Auftritt mit dem Violinkonzert). Nach einem kurzen Aufenthalt in Dänemark im Jahr 1845 kehrte Bazzini nach Brescia zurück, um dort zu unterrichten und zu komponieren. 1846 spielte er in Neapel und Palermo. Von 1849 bis 1850 bereiste er Spanien und lebte von 1852 bis 1863 in Paris. Er beendete seine Konzertkarriere 1864 mit einer Tournee durch Holland.

Als Bazzini erneut nach Brescia zurückkehrte, widmete er sich der Komposition und gab nach und nach die virtuosen Opernphantasien und Charakterstücke auf, die einen Großteil seiner frühen Werke geprägt hatten. Er komponierte 1867 die Oper Turanda und produzierte in den nächsten zwei Jahrzehnten eine Reihe dramatischer Kantaten, geistlicher Werke, Konzertouvertüren und symphonischer Gedichte. Seinen größten Erfolg als Komponist hatte er jedoch mit seinen kammermusikalischen Kompositionen. 1868 wurde er Präsident der Brescia Concert Society und engagierte sich aktiv für die Förderung und Komposition von Quartettgesellschaften in Italien. 1873 wurde er Professor für Komposition am Mailänder Konservatorium, wo er Catalani, Mascagni und Puccini unterrichtete und 1882 Direktor wurde. Bazzini starb am 10. Februar 1897 in Mailand.

Bazzini war einer der beliebtesten Künstler seiner Zeit und beeinflusste den großen Opernkomponisten Giacomo Puccini. Sein nachhaltigstes Werk ist seine Kammermusik, die in den klassischen Formen der Deutschen Schule geschrieben ist und ihm einen zentralen Platz in der italienischen Instrumentalrenaissance des 19. Jahrhunderts einbrachte. Besonders hervorzuheben ist sein Streichquartett Nr. 1, das 1864 den ersten Preis der Mailänder Quartettgesellschaft gewann. Seine Musik zeichnet sich durch eine äußerst virtuose Technik aus, die ausdrucksstark und ohne allzu viel Gefühl ist. Bazzini spielte eine Geige von Giuseppe Guarneri, die nach seinem Tod an M. Soldat-Roeger überging.

Zu den Künstlern, die ihre Musik aufgenommen haben, gehört Chloë Hanslip. Aber viele weitaus bekanntere Geigervirtuosen haben sich dadurch hervorgetan, dass sie sich vorgenommen haben, sein teuflisch schwieriges La ronde des lutins (oder Tanz der Kobolde mit seinen ausgedehnten Passagen aus schnellen Doppelgriffen und künstlichen Harmonischen in Doppelregistern (unter Verwendung aller vier linken Finger) aufzunehmen). und linkes Pizzicato. Dazu gehören Bronislaw Huberman, Jascha Heifetz, Yehudi Menuhin, David Garrett, James Ehnes und Itzhak Perlman.

Amazing Italy: Visiting Villa Badoèr with Maria Cristina Buoso - by Maria Teresa De Donato

 Amazing Italy:

 

Visiting Villa  Badoèr with Maria Cristina Buoso

 

by Maria Teresa De Donato

 

Dear friends, today we continue to travel in our Amazing Italy with our friend and colleague Maria Cristina, Author and Blogger. Maria Cristina participated very actively, together with other colleagues and friends, in this Column of mine, and I invite you all to read the other articles to be inspired by the various locations that have been presented as well as by the highly appreciated recipes that you can enjoy by visiting especially her territory. She recently started introducing us to the Venetian Villas, some of which were designed and built by the famous architect Andrea Palladio.

Today, we will be considering one in particular: Villa Badoèr.

Enjoy the reading!

 

MTDD: Hi Maria Cristina, and welcome again to my Blog and Virtual Cultural Salon.

MCB: Thank you, Maria Teresa, for your invitation.

 

MTDD: As I just mentioned, today, you will be taking us, even if only virtually, to visit one of the Venetian Villas, specifically Villa Badoèr.

What can you tell us about this Villa?

MCB: Villa Badoèr, also known as "La Badoèra," is located in Fratta Polesine (a municipality not far from Rovigo). It was designed by the architect Andrea Palladio around 1554-1555 and commissioned by Francesco Badoèr, a descendant of an illustrious family of the Serenissima. The building and other Palladian Villas in the Veneto have been included in the list of UNESCO World Heritage Sites since 1996.

 

 

 

MTDD: Was there a specific reason why this Villa was built?

MCB: Yes, there was. In that historical period, the Venetian aristocracy had begun to prefer the hinterland to encourage their investments, often derived from mercantile income. The Venetian Villas thus became a symbol of their "world." Francesco Badoèr wanted a garrison to administer the property and demonstrate his social and economic status.

 

 

 

MTDD: What are this Villa's main features?

MCB: The building is located above an ancient medieval castle. The main facade recalls the harmony of Greek temples, with the triangular tympanum and the Ionic order colonnade reachable via the staircase. The barchesse arranged in a semicircle are a unique example of their kind among Palladian Villas; they have curved shapes and, together with the Tuscan-style colonnade, welcome the visitor. It should be noted that the pronaos and the main floor have frescoes with allegorical, pastoral, mythological, and sometimes grotesque scenes, which are the work of the painter Giallo Fiorentino. It is the first Villa in which the Paduan architect entirely used a pronaos with a pediment on the facade, and it is also the only one built in the Polesine area.

 

(Frescos of Villa Badoer by painter Giallo Fiorentino, half of 16th century.)

 (Copyright free photo)

 

 

Anyone wishing to have further information on this Villa may want to visit the following sites:

 

 

http://www.villevenete.net/tutte_le_ville/villa_badoer_detta_la_badoera/

https://it.wikipedia.org/wiki/Villa_Badoer

https://www.beniculturalionline.it/location-1826_Villa-Badoer.php

https://www.culturaveneto.it/it/beni-culturali/ville-venete/6494af48b282ae2b52bb4885

 

 

MTDD: This Villa is also very fascinating. Thank you, Maria Cristina, for your research and for always presenting us with such exciting attractions from an artistic, cultural, historical, and architectural point of view.

Let's conclude our interview today with one of your local recipes, shall we?

MCB: Of course! Today, I propose Venetian Liver.

 

 

 

Recipe

Venetian liver

 

This is a simple yet tasty typical Venetian dish, which was once for poor people, although today, it is a refined dish with different variations. Once upon a time, pork liver was mainly used, but you can also use calf or beef liver, which are more tender. For 500 gr. of liver, use 400 gr. of very finely chopped white onion and a handful of chopped parsley, too (if I remember correctly, my mother didn't use it).

Place a pan with oil and a little butter on the heat (my mother didn't use butter either). When the oil is hot, add the chopped mixture, brown it, and continue cooking slowly over low heat, adding a little water, and keep the pan covered with a lid until the onion is stewed. Check the cooking to prevent the chopped onion from burning.

Then place the floured liver slices in the pan, turn them over, and add - if needed - a little more hot water to continue cooking until the end; a few minutes, from 5 to 10, are enough. Taste to ensure the quantity of salt and pepper you use is enough, then serve with mashed potatoes, polenta, or reheated bread.

 

Enjoy your meal!