Johann Hermann Schein

(Grünhain-Beierfeld, 20 January 1586 – Leipzig, 19 November 1630)

Johann Hermann Schein (Grünhain-Beierfeld, 20 January 1586 – Leipzig, 19 November 1630), together with Heinrich Schütz and Samuel Schütz, was the greatest German composer of the first half of the 17th century. One of his famous works is the Musical Banquet, composed in Leipzig in 1617, comprising nineteen Suites for various instruments. Other collections he published include Cimbalum Sionium, Israelis Brünnlein, Opella Nova I and II, and Venus Kräntzelein.

He was the fifth son of the Protestant pastor Hieronymus Schein, originally from Dresden. He spent his early years in Grünhain, in the Erzgebirge.

After the pastor died in 1593, the mother returned with her son to her parent's home in Dresden, partly because the new pastor needed the house in Grünhain and partly because she could barely earn a living in that small town. In Dresden, Schein developed his talent for singing in the children's choir of the Dresdner Hofkapelle, part of the choir of the principality, under the guidance of Rogier Michael and was a soprano until 1603. After his voice had changed, he was sent to further his education at the principality's state school in Pforta, where he was admitted on 18 May 1603. Here, he learned the fundamentals of musical knowledge very well. However, he returned to Dresden in April 1607.

He had already been enrolled at the University of Leipzig since 1603, so he could not begin until 1608. He studied law and liberal arts and received a scholarship as a former member of the princely choir. Although he had taken up the study of law seriously (he graduated in 1612), his interest lay more in poetry and music, and he began to compose. In 1609, he published his first musical work, Das Venus Kräntzlein (The Crown of Venus), a secular piece for choirs of five to eight voices and instrumental parts.

In 1613, Schein became a music teacher in Weissenfels to Gottfried von Wolffersdorf, who had met him in Pforta, after which he was appointed the family's musical director. He had not, however, given up composing, and in 1614, he published Cymbalum Sionium, a work in the form of sacred motets in Latin and German. In the autumn of 1616, Schein was appointed Sethus Calvisius' successor as Thomaskantor of the Thomasschule and music director of Leipzig. The considerable commitments associated with the role of cantor and music director of the Thomasschule, which included liturgical service in the churches of St. Nicholas and St. Thomas and accompanying weddings, baptisms, funerals, and city events, significantly weakened his health.

In Weimar, he married Sidonia, daughter of the official of the Saxon principality Eusebius Hösel. Three daughters died in infancy, and Sidonia herself died in 1624 at the birth of her third daughter; only the two sons survived their father.

In 1625, he married Elisabeth von Perre, daughter of the painter Johann von der Perre. Of the five children born to this marriage, four died in infancy.

In the second edition of 1645 of his Cantionale, which Schein began compiling in 1629, there are 58 pieces composed by the Author himself, including funeral songs dedicated to his first wife and seven of his children.

He himself was often ill. Despite suffering from lung disease and kidney problems, he continued to work as a teacher, choirmaster, organist, and composer. He twice sought treatment in the city of Karlsbad but received no relief. He died before he was 45 years old. Heinrich Schütz composed a funeral lament in his honor. He was buried in his hometown, where an epitaph can be found in the church of St. Nicholas; a monument in front of the church commemorates the musician.

Israelis Brünnlein ("The Fountains of Israel") are spiritual madrigals performed by Gli Angeli Geneve, a baroque ensemble based in Geneva.

Schein was one of Bach's most illustrious predecessors at St. Thomas in Leipzig. His work, long eclipsed by the historical stature of his contemporary Heinrich Schütz, is today recognized as one of the jewels of the Protestant sacred repertoire. Composed "in the manner of an Italian madrigal," the celebrated Fountains of Israel give the Old Testament texts an extraordinarily pertinent and varied musical vision; this way of putting a whole range of means derived directly from Italy at the service of German-language religious music achieves here surprising appropriateness.

 

Johann Hermann Schein

(Grünhain-Beierfeld, 20 gennaio 1586 – Lipsia, 19 novembre 1630)

Johann Hermann Schein (Grünhain-Beierfeld, 20 gennaio 1586 – Lipsia, 19 novembre 1630), insieme a Heinrich Schütz e Samuel Schütz fu il più grande compositore tedesco della prima metà del XVII secolo. Una sua celebre opera è il Banchetto Musicale, composto a Lipsia nel 1617, comprendente diciannove Suites per vari strumenti. Tra le altre raccolte da lui pubblicate si ricordano Cimbalum Sionium, Israelis Brünnlein, Opella Nova I e II e Venus Kräntzelein.

Era il quinto figlio del pastore protestante Hieronymus Schein, originario di Dresda, e visse i primi anni a Grünhain, nell'Erzgebirge.

Dopo la morte del pastore, avvenuta nel 1593, la madre tornò con il figlio nella casa dei propri genitori a Dresda, in parte perché la casa di Grünhain serviva al nuovo pastore, e in parte perché in quella piccola città riusciva a stento a procurarsi di che vivere. A Dresda Schein poté sviluppare il suo talento per il canto nel coro di voci bianche della Dresdner Hofkapelle, facente parte della cantoria del principato, sotto la guida di Rogier Michael e fino al 1603 fu soprano. Dopo il cambio della voce fu mandato ad approfondire la sua formazione nella scuola regionale del principato a Pforta, dove fu ammesso il 18 maggio 1603. Qui imparò ottimamente i fondamenti della conoscenza musicale; tuttavia tornò a Dresda nell'aprile del 1607.

Già iscritto all'Università di Lipsia fin dal 1603, non poté iniziare prima del 1608. Studiò giurisprudenza e arti liberali e, in qualità di ex membro della cantoria del principato, riceveva una borsa di studio. Anche se aveva intrapreso seriamente lo studio del diritto (si laureò nel 1612), il suo interesse era rivolto maggiormente a poesia e musica, e cominciò a comporre. Nel 1609 pubblicò la sua prima opera musicale dal titolo Das Venus Kräntzlein (La coroncina di Venere), brano di musica profana per cori da cinque fino a otto voci e parti strumentali.

Nel 1613 Schein divenne insegnante di musica a Weißenfels di Gottfried von Wolffersdorf, che lo aveva conosciuto a Pforta, dopo di che gli venne assegnato il ruolo di direttore musicale della famiglia. Non aveva però rinunciato a comporre, e infatti nel 1614 pubblicò Cymbalum Sionium, opera in forma di mottetti di carattere sacro, in latino e tedesco. Nell'autunno del 1616 Schein fu nominato successore di Sethus Calvisius come Thomaskantor della Thomasschule e direttore musicale della città di Lipsia. I notevoli impegni legati al ruolo di cantore e direttore musicale della Thomasschule, che comprendevano il servizio liturgico nelle chiese di San Nicola e di San Tommaso, nonché l'accompagnamento di matrimoni, battesimi, funerali e manifestazioni del cittadine, indebolirono molto la sua salute.

A Weimar sposò Sidonia, figlia del funzionario del principato sassone Eusebius Hösel. Tre figlie morirono in tenera età e Sidonia stessa morì nel 1624 alla nascita della terza figlia; solo i due figli maschi sopravvissero al padre.

Nel 1625 sposò Elisabetta del Perre, figlia del pittore Johann von der Perre. Dei cinque figli nati da questo matrimonio, quattro morirono nell'infanzia. 

Nella seconda edizione del 1645 del suo Cantionale, che Schein iniziò a costruire a partire dal 1629, ci sono 58 brani composti dall'Autore stesso, tra i quali i canti funebri dedicati alla prima moglie e a sette dei suoi figli.

Lui stesso era spesso malato. Nonostante fosse affetto da malattie polmonari e problemi renali, continuò a lavorare come insegnante, direttore di coro, organista e compositore. Ricorse due volte a cure nella città di Karlsbad, ma senza riceverne alcun sollievo. Morì prima ancora di compiere 45 anni. Heinrich Schütz compose un lamento funebre in suo onore. Fu seppellito nella sua città natale, nella cui chiesa di San Nicola si trova un epitaffio; davanti alla chiesa un monumento ricorda il musicista.

Israelis Brünnlein ("Le fontane d'Israele"), madrigali spirituali è eseguito a cura de Gli Angeli Geneve, un ensemble barocco con sede a Ginevra.

Schein fu uno dei più illustri predecessori di Bach alla St. Thomas di Lipsia. La sua opera, eclissata per lungo tempo dalla statura storica del suo contemporaneo Heinrich Schütz, è oggi riconosciuta come uno dei gioielli del repertorio sacro protestante. Composte "alla maniera di un madrigale italiano", le celebri Fontane d'Israele conferiscono ai testi dell'Antico Testamento una straordinaria visione musicale pertinente e varia; questo modo di mettere un'intera gamma di mezzi derivati ​​direttamente dall'Italia al servizio della musica religiosa in lingua tedesca raggiunge qui una sorprendente appropriatezza.

Johann Hermann Schein

 

 (Grünhain-Beierfeld, 20. Januar 1586 – Leipzig, 19. November 1630) 

Johann Hermann Schein (Grünhain-Beierfeld, 20. Januar 1586 – Leipzig, 19. November 1630) war neben Heinrich Schütz und Samuel Schütz der größte deutsche Komponist der ersten Hälfte des 17. Jahrhunderts. Eines seiner berühmtesten Werke ist das 1617 in Leipzig komponierte „Musikalische Gastmahl“, das aus neunzehn Suiten für verschiedene Instrumente besteht. Weitere von ihm veröffentlichte Sammlungen sind Cimbalum Sionium, Israelis Brünnlein, Opella Nova I und II und Venus Kräntzelein.

Er war der fünfte Sohn des aus Dresden stammenden evangelischen Pfarrers Hieronymus Schein und verbrachte seine frühen Jahre in Grünhain im Erzgebirge.

Nach dem Tod des Pfarrers im Jahr 1593 kehrte die Mutter mit ihrem Sohn in ihr Elternhaus nach Dresden zurück, zum einen, weil der neue Pfarrer das Haus in Grünhain benötigte, zum anderen, weil sie in der Kleinstadt kaum über die Runden kam. In Dresden konnte Schein ihr Gesangstalent im Kinderchor der Dresdner Hofkapelle, einem Teil des Fürstentumschores, unter der Leitung von Rogier Michael entfalten und war bis 1603 Sopranist. Nach einem Stimmbruch wurde er zur weiteren Ausbildung an die fürstliche Landesschule Pforta geschickt, wo er am 18. Mai 1603 aufgenommen wurde. Hier erlernte er die Grundlagen der Musik sehr gut; Im April 1607 kehrte er jedoch nach Dresden zurück.

Obwohl er bereits seit 1603 an der Universität Leipzig immatrikuliert war, konnte er sein Studium erst 1608 aufnehmen. Er studierte Jura und Geisteswissenschaften und erhielt als ehemaliges Mitglied des fürstlichen Chors ein Stipendium. Obwohl er ernsthaft Jura studierte (er schloss sein Studium 1612 ab), interessierte er sich mehr für Poesie und Musik und begann zu komponieren. Im Jahr 1609 veröffentlichte er sein erstes musikalisches Werk mit dem Titel „Das Venus Kräntzlein“, ein weltliches Musikstück für Chöre mit fünf bis acht Stimmen und Instrumentalstimmen.

Im Jahr 1613 wurde Schein in Weißenfels Musiklehrer bei Gottfried von Wolffersdorf, der ihn in Pforta kennengelernt hatte, und übernahm anschließend die Rolle des Musikdirektors der Familie. Er gab das Komponieren jedoch nicht auf und veröffentlichte 1614 sogar Cymbalum Sionium, ein Werk in Form geistlicher Motetten in lateinischer und deutscher Sprache. Im Herbst 1616 wurde Schein als Nachfolger von Sethus Calvisius zum Thomaskantor der Thomasschule und Musikdirektor der Stadt Leipzig ernannt. Die erheblichen Verpflichtungen als Kantor und musikalischer Leiter der Thomasschule, die neben der liturgischen Betreuung in den Kirchen St. Nikolai und St. Thomas auch die Begleitung von Hochzeiten, Taufen, Beerdigungen und städtischen Veranstaltungen umfassten, schwächten seine Gesundheit stark.

In Weimar heiratete er Sidonia, die Tochter des sächsischen Fürstenbeamten Eusebius Hösel. Drei Töchter starben im Säuglingsalter und Sidonia selbst starb 1624 bei der Geburt ihrer dritten Tochter; Nur die beiden Söhne überlebten ihren Vater.

1625 heiratete er Elisabetta del Perre, die Tochter des Malers Johann von der Perre. Von den fünf Kindern aus dieser Ehe starben vier im Säuglingsalter.

In der zweiten Ausgabe seines Cantionale aus dem Jahr 1645, mit dessen Aufbau Schein ab 1629 begann, finden sich 58 vom Autor selbst komponierte Stücke, darunter auch Trauerlieder, die seiner ersten Frau und sieben seiner Kinder gewidmet waren.

Er selbst war oft krank. Obwohl er an einer Lungenerkrankung und Nierenproblemen litt, arbeitete er weiterhin als Lehrer, Chorleiter, Organist und Komponist. Zweimal suchte er in der Stadt Karlsbad eine Behandlung auf, doch seine Beschwerden ließen nicht nach. Er starb, bevor er 45 wurde. Heinrich Schütz verfasste ihm zu Ehren eine Trauerklage. Er wurde in seiner Heimatstadt begraben, in deren Kirche St. Nikolaus sich eine Grabinschrift befindet; Vor der Kirche erinnert ein Denkmal an den Musiker.

Israelis Brünnlein („Die Brunnen Israels“), spirituelle Madrigale, werden von Gli Angeli Geneve aufgeführt, einem Barockensemble mit Sitz in Genf.

Schein war einer der berühmtesten Vorgänger Bachs an der Thomaskirche in Leipzig. Sein Werk, das lange Zeit durch die historische Bedeutung seines Zeitgenossen Heinrich Schütz in den Schatten gestellt wurde, gilt heute als eines der Juwelen des protestantischen geistlichen Repertoires. Die berühmten „Fountains of Israel“ wurden „im Stil eines italienischen Madrigals“ komponiert und verleihen den Texten des Alten Testaments eine außergewöhnliche musikalische Vision, die relevant und abwechslungsreich ist. Diese Art, eine ganze Reihe unmittelbar aus Italien stammender Mittel in den Dienst der deutschsprachigen geistlichen Musik zu stellen, erreicht hier eine überraschende Angemessenheit.

Word Shards – Anthology (M. C. Buoso) - Review by Maria Teresa De Donato

 

Word Shards – Anthology by Maria Cristina Buoso

 

Review by Maria Teresa De Donato

 

A remarkable expressive ability and a desire for experimentation characterize Maria Cristina Buoso’s literary production.

 

In Schegge di parole (= Word Shards), this second aspect certainly dominates and takes the reader back, at least as far as the form is concerned, to the literary avant-gardes of the early twentieth century. These avant-gardes aimed to break with the past and with tradition and, on the contrary, projected towards the future, modernity, speed, and technology. This was especially true of the futurist current this Anthology is inspired by.

 

From an aesthetic point of view, onomatopoeic expressions, ‘free words’ that do not respect the use of margins, uppercase, and lowercase letters used to emphasize concepts and feelings rather than respecting spelling rules; extremely short sentences, often expressed by a single verb are like bullets that hit a target, they get straight to the point, they do not get lost in explanations or narratives.

 

The concept is clear, and the message is almost brutal. There are no embellishments of any kind.

 

The precariousness of Life is denounced openly and without subterfuge or euphemisms:

 

                   *Let's Paint

with our Hands

So as NOT to Dirty our Hearts

with Too Much Joy.* (Buoso, 2021, p. 12)

 

The theme of femininity is also present in this work. However, it is not a superficial, ephemeral, or sappy femininity, but rather an authentic, visceral, rebellious, and contesting one that scrupulously observes the world around her and, in particular, her own "cracks":

 

                   I am a shadow

That CROSSES My Body

That Trudges Tired

[…]

Among Lost Petals    […]

Of Dust and Smoke. (p. 13)

 

Aspects such as fake feelings, indifference, and hostility are denounced by highlighting the spiritual poverty that dominates today's world full of "soulless bodies..." (p. 19)

Parentheses used in reverse and interspersed with suspension points seem to be the metaphor of how everything and the opposite of everything is possible: nothing is certain, nothing is defined, everything is yet to be discovered, understood, evolved ... while the observer can only wait for what must happen ... to reveal itself.

For the reader who goes beyond the aesthetic examination, Schegge di parole is an Anthology of profound concepts, truths, even burning ones, that are shouted and revealed without subterfuge or word games. Those who must understand ... and want to  ... they will, while the others ... shall continue to lead their meaningless life

 

                   “In the Coldness of the Winter

Of a Modern World.* (p. 44)

 

A further characteristic of this work is the alternating sensations, feelings, hopes, and desires, through which it distances itself from Futurism precisely because of these aspects.

Although from an aesthetic point of view, this Anthology takes us back to Filippo Tommaso Marinetti and the Manifesto of the avant-garde literary movement he developed, in substance we perceive from the verses of the author, Maria Cristina Buoso, a feeling of anger and frustration, but also a nostalgic streak for something that Humanity has lost and that seems difficult, if not impossible, to recover and, therefore, the consequent and veiled regret for a tradition and a past that are certainly more significant.

 

Schegge di parole – Silloge (M. C. Buoso) - Recensione di Maria Teresa De Donato

 

Schegge di parole – Silloge di Maria Cristina Buoso

 

Recensione di Maria Teresa De Donato

 

Una capacità espressiva notevole ed un desiderio di sperimentazione caratterizzano la produzione letteraria di Maria Cristina Buoso.                

In Schegge di parole questo secondo aspetto domina sicuramente e riporta il lettore, almeno per ciò che concerne la forma, alle avanguardie letterarie degli inizi del Novecento, che miravano alla rottura con il passato e con la tradizione e, al contrario, erano proiettate verso il futuro, la modernità, la velocità e la tecnologia.

Questo fu il caso soprattutto della corrente futurista cui questa Silloge sembra ispirarsi.

Da un punto di vista estetico, espressioni onomatopeiche, ‘parole in libertà’ che non rispettano l’uso dei margini; maiuscole e minuscole usate per enfatizzare concetti e sentimenti piuttosto che rispettare regole di ortografia; frasi estremamente brevi, spesso espresse da un singolo verbo sono come proiettili che colpiscono un bersaglio, arrivano dritti al punto, non si perdono in spiegazioni o narrative.

Il concetto è chiaro, il messaggio quasi brutale. Non ci sono abbellimenti di alcun tipo.

La precarietà della Vita viene denunciata apertamente e senza sotterfugi né eufemismi:

 

                   *Dipingiamo

                                        con le Mani

                             Per Non Sporcare il Cuore

                                      con Troppa Allegria.* (Buoso, 2021, p. 12)

 

Il tema della femminilità è anche presente in questa opera.  Non si tratta, tuttavia, di una femminilità superficiale, effimera o sdolcinata, ma piuttosto autentica, viscerale, ribelle e contestatrice che osserva scrupolosamente il mondo intorno a sé ed in modo particolare le proprie “crepe”:

 

                   Sono un’ombra

                             Che ATTRAVERSA il Mio Corpo

                                                          Che Arranca Stanco

                   […]

                   Tra Petali Smarriti      […]

                                                Di Polvere e di Fumo. (p. 13)

 

Aspetti quali falsi sentimenti, indifferenza ed ostilità vengono denunciati evidenziando la povertà spirituale che domina il Mondo di oggi pieno di “corpi senz’anima…” (p. 19)

Parentesi utilizzate al contrario ed inframezzate da puntini di sospensione sembrano essere la metafora di come tutto ed il contrario di tutto sia possibile: nulla è certo, nulla è definito, tutto è ancora da scoprire, da capire, da evolversi…mentre all’osservatore non resta che aspettare che ciò che deve essere… si riveli.

Per il lettore che non si fermasse all’esame estetico, Schegge di parole è una Silloge dai concetti profondi, dalle verità, anche scottanti, che vengono urlate, rivelate senza sotterfugi né giochi di parole.  Chi deve capire… e vuol capire… capirà, mentre gli altri… continueranno a condurre la loro vita priva di senso

 

“Nel Freddo dell’Inverno

Di un Mondo Moderno.* (p. 44)

 

L’altalenarsi di sensazioni, sentimenti, speranze e desideri è un’ulteriore caratteristica di questo lavoro che, proprio per questi aspetti, di fatto si distanzia dal Futurismo.

Se dal punto di vista estetico questa Silloge ci riporta, quindi, a Filippo Tommaso Marinetti e al Manifesto della corrente letteraria d’avanguardia da lui elaborato, nella sostanza si percepisce dai versi dell’autrice, Maria Cristian Buoso, un sentimento sì di rabbia e frustrazione, ma anche una vena nostalgica per un qualcosa che l’Umanità ha perduto e che sembra difficile, se non impossibile, recuperare e, quindi, il conseguente e velato rimpianto per una tradizione ed un passato certamente più significativi.

 

Wortfragmente – Anthologie (M. C. Buoso) - Rezension von Maria Teresa De Donato

 

Wortfragmente – Anthologie von Maria Cristina Buoso

 

Rezension von Maria Teresa De Donato

 

Eine bemerkenswerte Ausdrucksfähigkeit und Experimentierfreude kennzeichnen das literarische Schaffen von Maria Cristina Buoso.

In Schegge di parole (= Wortfragmente) dominiert dieser zweite Aspekt zweifellos und führt den Leser, zumindest was die Form betrifft, zurück zu den literarischen Avantgarden des frühen zwanzigsten Jahrhunderts, die darauf abzielten, mit der Vergangenheit und der Tradition zu brechen und im Gegenteil auf die Zukunft, Modernität, Geschwindigkeit und Technologie ausgerichtet waren.

Dies traf insbesondere auf die futuristische Bewegung zu, von der diese Kollektion inspiriert zu sein scheint. Aus ästhetischer Sicht lautmalerische Ausdrücke, „freie Wörter“, die die Verwendung von Rändern nicht respektieren; Groß- und Kleinbuchstaben werden verwendet, um Konzepte und Gefühle hervorzuheben, anstatt Rechtschreibregeln zu befolgen; Extrem kurze Sätze, oft durch ein einziges Verb ausgedrückt, sind wie Kugeln, die ihr Ziel treffen: Sie kommen direkt auf den Punkt und verlieren sich nicht in Erklärungen oder Erzählungen.

Das Konzept ist klar, die Botschaft fast brutal. Es gibt keinerlei Verzierungen. Die Unsicherheit des Lebens wird offen und ohne Ausreden oder Euphemismen angeprangert:

 

                   *Lass uns malen

mit den Händen

um das Herz mit zu viel Freude

nicht zu beschmutzen .* (Buoso, 2021, S. 12)

 

Auch das Thema Weiblichkeit ist in dieser Arbeit präsent. Es handelt sich jedoch nicht um eine oberflächliche, flüchtige oder zuckersüße Weiblichkeit, sondern vielmehr um eine authentische, aus dem Bauch kommende, rebellische und protestierende Weiblichkeit, die die Welt um sie herum und insbesondere ihre eigenen „Risse“ gewissenhaft beobachtet:

 

Ich bin ein Schatten

Das DURCH meinen Körper GEHT

Das müde beginnt

 

[…]

                   Unter verlorenen Blütenblättern […]

Aus Staub und Rauch. (Seite 13)

 

 

Aspekte wie falsche Gefühle, Gleichgültigkeit und Feindseligkeit werden angeprangert und die geistige Armut hervorgehoben, die in der heutigen Welt voller „Körper ohne Seelen …“ herrscht (S. 19).

Rückwärts verwendete Klammern, durchsetzt mit Aufhängungspunkten, scheinen eine Metapher dafür zu sein, dass alles und das Gegenteil von allem möglich ist: Nichts ist sicher, nichts ist definiert, alles muss noch entdeckt, verstanden und entwickelt werden … während der Betrachter müssen wir nicht einfach warten, bis das, was geschehen soll, enthüllt wird.

Für den Leser, der nicht bei der ästhetischen Betrachtung stehen bleibt, ist Schegge di parole eine Anthologie tiefgründiger Konzepte, Wahrheiten, auch brennender, die ohne Ausflüchte oder Wortspiele herausgeschrien und enthüllt werden. Wer verstehen muss ... und verstehen will, ... wird verstehen, während die anderen weiterhin ihr sinnloses Leben führen werden.

 

                   „In der Kälte des Winters

Von einer modernen Welt.* (S. 44)

 

Der Wechsel von Empfindungen, Gefühlen, Hoffnungen und Wünschen ist ein weiteres Charakteristikum dieser Arbeit, die sich gerade in diesen Aspekten vom Futurismus abgrenzt.

Wenn uns diese Anthologie aus ästhetischer Sicht zurück zu Filippo Tommaso Marinetti und dem Manifest der von ihm entwickelten avantgardistischen literarischen Bewegung führt, so spüren wir in den Versen der Autorin Maria Cristian Buoso im Wesentlichen ein Gefühl von Wut und Frustration, aber auch eine nostalgische Ader nach etwas, das die Menschheit verloren hat und das nur schwer, wenn nicht gar unmöglich wiederzuerlangen scheint, und daher das daraus resultierende und verschleierte Bedauern gegenüber einer Tradition und Vergangenheit, die sicherlich bedeutsamer sind.

  

 

 

 

Onutė Narbutaitė

 

Onutė Narbutaitė was born in 1956 in Vilnius in the family of musicologist Ona Narbutienė and geologist Vytautas Narbutas.

She learned the basics of composition from Bronius Kutavičius and graduated in 1979 from the Lithuanian State Conservatory (now the Lithuanian Academy of Music and Drama), where she studied composition with Prof. Julius Juzeliūnas. From 1979 to 1982, she taught music theory and history at the Klaipėda Faculty of the Lithuanian State Conservatory. Since 1982, she has concentrated exclusively on her creative work and lives in Vilnius.

Even in the 1980s, Onutė Narbutaitė enjoyed a reputation as a composer of subtle chamber music. Her early works were suffused with depictions of "night," "silence," and "oblivion"; her compositions, unhurried in their flow, with their transparent textures and nostalgic mood, often resembled the pages of a diary written in sounds. The composer's music underwent a significant transformation in the years following Lithuania's independence. First, Narbutaitė devoted herself to large-scale symphonic and symphonic-vocal works. Maintaining her undeniably creative independence, she developed an expressive musical language characterized by cerebral nature and structured thinking, expressive instrumentation and haunting melodic quality, lush harmonies and textures, and an intense musical flow. The subtle sonic imagination of her music is in harmony with the rich cultural references found in it.

We can say that Onutė Narbutaitė is today one of the few composers whose music bears the mark of exceptional individuality and is recognizable from the first bars of all her compositions. In addition to the broad spectrum of various emotional states and feelings in the creative work, what is also palpable is the sense of aristocratic restraint and strong compositional discipline that only increases the music's emotional impact. However, the constructive origin is not manifested by systems of organization of various musical parameters borrowed from others or created by her. Narbutaitė's intellectual works do not resemble 'mechanical production' but 'manual work' performed with great precision. The rationality of her composition is revealed through meticulously detailed textures, precise proportions of smaller or larger sections, the overall shape, and the not immediately perceptible interaction of the minor details. At the same time, the abstract musical narrative is highly expressive, clearly emerges, and often resembles "something familiar." Perhaps the aptest description of her current work was given by the American musicologist Richard Taruskin: 'Not "tonal." Not "romantic". Not "retro". Consonant.'

Onute Narbutaite's "Was There a Butterfly?" composition for chamber orchestra (2013)

Written on commission by the Ostrobothnian Chamber Orchestra and dedicated to the conductor Juha Kangas and the Ostrobothnian Chamber Orchestra. The initial musical idea and working title of the piece was Ostinato. As a constant repetition of musical patterns, Ostinato connotes a constant return to the same place, memory, and dream – dark and deep. The butterfly flew onto the title only after completing the work, but not by chance. It continued to flutter in various forms throughout the writing process, in the corners of the mind. Like a mysterious breath, a shadow of Psyche – in ancient Greek, the same word indicates Psyche, soul, breath, and butterfly. Or, as a symbol of metamorphosis, the idea of ​​a momentary unfurling of wings. In this regard, it would be appropriate to quote a joke by Czesław Miłosz: Why does a butterfly spread its wings for a flight measured by the grains of an hourglass?

Onutė Narbutaitė

Onutė Narbutaitė è nata nel 1956 a Vilnius, nella famiglia della musicologa Ona Narbutienė e del geologo Vytautas Narbutas.

Ha imparato le basi della composizione da Bronius Kutavičius, diplomandosi nel 1979 al Conservatorio di Stato lituano (ora Accademia lituana di musica e teatro) dove ha studiato composizione con il Prof. Julius Juzeliūnas. Dal 1979 al 1982 ha insegnato teoria e storia della musica presso la Facoltà di Klaipėda del Conservatorio di Stato lituano. Dal 1982 si concentra esclusivamente sul suo lavoro creativo e vive a Vilnius.

Ancora negli anni '80 Onutė Narbutaitė godeva della reputazione di compositore di sottile musica da camera. Le sue prime opere erano soffuse di raffigurazioni di "notte", "silenzio" e "oblio"; le sue composizioni, senza fretta nel loro scorrere, con le loro trame trasparenti e l'umore nostalgico, non di rado ricordavano le pagine di un diario scritto con i suoni. Negli anni successivi all'indipendenza della Lituania la musica del compositore subì una trasformazione significativa. In primo luogo, Narbutaitė si dedicò ad opere sinfoniche e sinfonico-vocali di ampio respiro. Mantenendo la sua innegabilmente indipendenza creativa, ha sviluppato un linguaggio musicale espressivo, caratterizzato da natura cerebrale e pensiero strutturato, strumentazione espressiva e una qualità melodica inquietante, armonie e trame rigogliose e un intenso flusso musicale. La sottile immaginazione sonora della sua musica è in armonia con i ricchi riferimenti culturali che vi si trovano.

Possiamo dire che Onutė Narbutaitė è oggi una dei pochi compositori la cui musica porta il segno di un'individualità eccezionale ed è riconoscibile fin dalle prime battute di tutte le sue composizioni. Oltre all'ampio spettro di vari stati emotivi e sentimenti nell'opera creativa, ciò che è palpabile è anche il senso di moderazione aristocratica e una forte disciplina compositiva che servono solo ad aumentare l'impatto emotivo della musica. Tuttavia, l'origine costruttiva non si manifesta con sistemi di organizzazione di vari parametri musicali presi in prestito da altri o creati da lei. Le opere intellettuali di Narbutaitė non ricordano la 'produzione meccanica' ma il 'lavoro manuale' svolto con grande precisione. La razionalità della sua composizione si rivela attraverso trame meticolosamente dettagliate, le proporzioni precise di sezioni più piccole o più grandi e la forma complessiva, così come l'interazione non immediatamente percettibile dei dettagli più piccoli. Allo stesso tempo la narrazione musicale astratta è estremamente espressiva, emerge chiaramente e spesso ricorda "qualcosa di familiare". Forse la descrizione più appropriata del suo lavoro attuale è stata fornita dal musicologo americano Richard Taruskin: 'Non “tonale”. Non “romantico”. Non “retrò”. Consonante.'

Onutė Narbutaite “Was There a Butterfly?“, composizione per orchestra da camera (2013)

Scritto su commissione dell'Ostrobotnian Chamber Orchestra ed è stato dedicato al direttore Juha Kangas e all'Ostrobotnian Chamber Orchestra. L'idea musicale iniziale e il titolo provvisorio del pezzo era Ostinato. Ostinato, in quanto ripetizione costante di schemi musicali, connota un costante ritorno allo stesso luogo, allo stesso ricordo, allo stesso sogno – cupo e profondo. La farfalla è volata sul titolo solo dopo il completamento dell'opera, ma non per caso. Durante tutto il processo di scrittura ha continuato a svolazzare in varie forme, negli angoli della mente. Come un respiro misterioso, un'ombra di Psiche – in greco antico Psiche, anima, respiro e farfalla sono indicati con la stessa parola. Oppure come simbolo di metamorfosi, idea di un momentaneo spiegamento di ali. A questo proposito sarebbe evidentemente opportuno citare una battuta di Czesław Miłosz: Perché una farfalla spiega le ali per un volo misurato dai granelli di Clessidra?

 

Onutė Narbutaitė

 

Onutė Narbutaitė wurde 1956 in Vilnius in die Familie der Musikwissenschaftlerin Ona Narbutienė und des Geologen Vytautas Narbutas geboren.

Sie lernte die Grundlagen der Komposition von Bronius Kutavičius und schloss 1979 ihr Studium der Komposition am Litauischen Staatskonservatorium (heute Litauische Akademie für Musik und Theater) bei Prof. Julius Juzeliūnas ab. Von 1979 bis 1982 unterrichtete sie Musiktheorie und Musikgeschichte an der Fakultät Klaipėda des Litauischen Staatskonservatoriums. Seit 1982 konzentriert sie sich ausschließlich auf ihre kreative Arbeit und lebt in Vilnius.

Noch in den 1980er Jahren genoss Onutė Narbutaitė einen Ruf als Komponistin subtiler Kammermusik. Ihre frühen Werke waren durchdrungen von Darstellungen der „Nacht“, der „Stille“ und des „Vergessens“; Ihre Kompositionen mit ihrem gemächlichen Fluss, ihren transparenten Texturen und ihrer nostalgischen Stimmung erinnerten oft an die Seiten eines mit Geräuschen geschriebenen Tagebuchs. In den Jahren nach der Unabhängigkeit Litauens erfuhr die Musik des Komponisten einen bedeutenden Wandel. Zunächst widmete sich Narbutaitė groß angelegten symphonischen und symphonisch-vokalen Werken. Unter Beibehaltung ihrer unbestreitbaren kreativen Unabhängigkeit hat sie eine ausdrucksstarke musikalische Sprache entwickelt, die von intellektueller Natur und strukturiertem Denken, ausdrucksstarker Instrumentierung und einer eindringlichen melodischen Qualität, üppigen Harmonien und Texturen sowie einem intensiven musikalischen Fluss geprägt ist. Die subtile klangliche Vorstellungskraft ihrer Musik steht im Einklang mit den reichen kulturellen Referenzen, die sie enthält.

Man kann sagen, dass Onutė Narbutaitė zu den wenigen Komponistinnen der Gegenwart gehört, deren Musik von außergewöhnlicher Individualität geprägt ist und von den ersten Takten all ihrer Kompositionen an erkennbar ist. Neben der großen Bandbreite unterschiedlicher Gefühlszustände und -zustände ist im Schaffen auch eine aristokratische Zurückhaltung und strenge kompositorische Disziplin spürbar, die die emotionale Wirkung der Musik nur noch verstärken. Der konstruktive Ursprung manifestiert sich jedoch nicht in von anderen übernommenen oder von ihr selbst geschaffenen Organisationssystemen der verschiedenen musikalischen Parameter. Narbutaitės intellektuelle Arbeiten ähneln nicht einer „mechanischen Produktion“, sondern einer mit großer Präzision ausgeführten „Handarbeit“. Die Rationalität ihrer Komposition zeigt sich in den akribisch detaillierten Texturen, den präzisen Proportionen kleinerer und größerer Abschnitte und der Gesamtform sowie im nicht unmittelbar wahrnehmbaren Zusammenspiel kleinster Details. Dabei ist die abstrakte musikalische Erzählung äußerst ausdrucksstark, tritt klar hervor und erinnert oft an „etwas Bekanntes“. Die vielleicht treffendste Beschreibung ihrer aktuellen Arbeit lieferte der amerikanische Musikwissenschaftler Richard Taruskin: „Nicht „tonal“. Nicht „romantisch“. Nicht „retro“. Konsonant.'

Onute Narbutaite „Was There a Butterfly?“, Komposition für Kammerorchester (2013)

Im Auftrag des Ostrobothnischen Kammerorchesters geschrieben und dem Dirigenten Juha Kangas und dem Ostrobothnischen Kammerorchester gewidmet. Die ursprüngliche musikalische Idee und der Arbeitstitel des Stücks waren „Ostinato“. Ostinato, als ständige Wiederholung musikalischer Muster, bedeutet eine ständige Rückkehr an denselben Ort, dieselbe Erinnerung, denselben Traum – dunkel und tief. Der Schmetterling flog erst nach Fertigstellung des Werkes auf den Titel, aber nicht zufällig. Während des gesamten Schreibprozesses flatterte es in verschiedenen Formen weiter in den Winkeln des Bewusstseins. Wie ein geheimnisvoller Atem, ein Schatten der Psyche – im Altgriechischen werden Psyche, Seele, Atem und Schmetterling alle mit dem gleichen Wort bezeichnet. Oder als Symbol der Metamorphose die Vorstellung einer kurzzeitigen Entfaltung der Flügel. In diesem Zusammenhang wäre es offensichtlich angebracht, einen Witz von Czesław Miłosz zu zitieren: Warum breitet ein Schmetterling seine Flügel für einen Flug aus, der in Körnern einer Sanduhr gemessen wird?

Fabrizio Paterlini

 

It is fitting that composer and pianist Fabrizio Paterlini, born on February 22, 1973, was born and lives in the ancient city of Mantua in northern Italy. A romantic and historically significant center of musical and artistic excellence, the city's elegance and cultural depth permeate Paterlini's exquisite original compositions for solo piano. Yet despite Mantua's inescapable influence in informing the composer's work, his cinematic music is far from localized or even recognizably Italian but instead taps directly into universal human emotion.

Listeners and critics alike are torn over how best to label Paterlini's beautiful sound. Neoclassicism, ambient, minimalism, and new age are mentioned, but it is more pertinent to note some of the adjectives regularly used to appreciate his sonic palette. Ethereal, soulful, lush, emotional, dreamy, delicate, and, significantly, passionate all appear with unerring frequency. The composer himself describes his work as "like a glass of red wine on a summer evening," aware of the calming effect of his thoughtful melodies on the listener.

Paterlini began playing the piano at the age of six. From the first moment he touched the keys, his life changed irrevocably, music becoming "a choice made every day… explored in all its aspects". And so music and his life path became, and remain, inextricably linked; as he progressed as a musician and composer, his development as a human being runs parallel. Formal study of his chosen artistic path came at age five at the Accademia Campiani, the Academy of Fine Arts in Mantua, where he graduated in Music Theory.

The 1990s saw Paterlini cut his teeth as a touring musician, performing classic rock, pop, and jazz in local bands. While playing with these bands, he began to compose music, which, at this stage, was mainly material from progressive rock persuasion. As the decade and century drew to a close, Paterlini made a momentous decision: to focus exclusively on the piano – the instrument that, in his own words, "best expresses his inner world." Yet it wasn't until 2006 that he began composing music for solo piano.

The following year, his life's musical journey took a momentous step as he released his debut CD, Viaggi in Aeromobile (Travel in Aircraft), on the Music Center label. A collection of gracefully atmospheric, well-structured pieces showcasing Paterlini's natural touch and seemingly effortless talent, the Italian music press warmly received the release.

2008 saw the release of an EP previewing Paterlini's second full-length, Viandanze. Meanwhile, the 8-track Remixed collection presented the composer's material as subtly reworked soundscapes, fitting them comfortably into convincing chillout territory. In 2010, the impeccable CD Fragments Found, again on Paterlini's label, drew comparisons to luminaries such as Ludovico Einaudi, Erik Satie, and George Winston.

In 2011, the double CD set "Fragments Found + Viandanze" was released. In the fall of the same year, he began working on his project "Storie d'Autunno," composing, recording, and publishing online a song for each week of the autumn season, publishing it in February 2012.

In 2013, he released his new full-length album, "Now."

His first album of original songs in three years, Secret Book, was released in May 2017. It is once again different from his previous works, including extensive use of strings and electronics.

In 2018, he released "Winter Stories." He presented the new album from his living room and recorded it with daily live performances, which were streamed on his main social channel during the month of February.

In 2019, he toured Europe mainly with his "Piano Stories 2019 Tour".

In 2023, he released Riverscape. Giovanna Musolino writes about this work:

Riverscape is an album of liquid beauty flowing and insinuating deeply into the soul.

The music is inspired by and from the river and its incessant flow. It is a suite of 13 songs in which electronics, piano, and strings dialogue and paint soundscapes of intense beauty and veiled melancholy.

Paterlini's notes narrate the river and its waters, which follow their perpetual and unstoppable course, capturing its voice, colors, moods, changes, suggestions, emotions, and enchantment.

Fabrizio Paterlini

 

È giusto che il compositore e pianista Fabrizio Paterlini, nato il 22 febbraio 1973, sia nato e viva nell'antica città di Mantova, nel nord Italia. Centro romantico e storicamente significativo di eccellenza musicale e artistica, l'eleganza e la profondità culturale della città permeano le squisite composizioni originali per pianoforte solo di Paterlini. Eppure, nonostante l’inevitabile influenza di Mantova nell’informare il lavoro del compositore, la sua musica cinematografica è lungi dall’essere localizzata, o addirittura riconoscibilmente italiana, ma attinge invece direttamente alle emozioni umane universali.

Sia gli ascoltatori che i critici sono combattuti su come etichettare al meglio il bellissimo suono di Paterlini. Si parla di neoclassicismo, ambient, minimalismo e new age, ma è più pertinente notare alcuni degli aggettivi regolarmente usati per apprezzare la sua tavolozza sonora. Etereo, pieno di sentimento, lussureggiante, emotivo, sognante, delicato e, significativamente, appassionato, appaiono tutti con infallibile frequenza. Lo stesso compositore descrive il suo lavoro come “come un bicchiere di vino rosso in una sera d'estate”, consapevole dell'effetto calmante delle sue melodie riflessive sull'ascoltatore.

Paterlini ha iniziato a suonare il pianoforte all'età di sei anni. Dal primo momento in cui ha toccato i tasti la sua vita è cambiata irrevocabilmente, la musica diventando “una scelta fatta ogni giorno… esplorata in tutti i suoi aspetti”. E così la musica e il suo percorso di vita sono diventati, e rimangono, indissolubilmente legati; mentre progredisce come musicista e compositore, così il suo sviluppo come essere umano corre parallelo. Lo studio formale del percorso artistico prescelto è avvenuto con i cinque anni presso l'Accademia Campiani, l'Accademia delle Belle Arti di Mantova, dove si è laureato in Teoria musicale.

Gli anni '90 hanno visto Paterlini farsi le ossa come musicista itinerante, esibendosi in classici rock, pop e jazz in gruppi locali. Mentre suonava con questi gruppi iniziò a comporre musica, in questa fase principalmente materiale di persuasione rock progressivo. Mentre il decennio e il secolo volgevano al termine, Paterlini prese una decisione importante: concentrarsi esclusivamente sul pianoforte – lo strumento che, secondo le sue stesse parole, “esprime al meglio il suo mondo interiore”. Eppure è stato solo nel 2006 che ha iniziato a comporre la musica per piano solo.

L'anno successivo il viaggio musicale della sua vita fece un passo epocale con l'uscita del suo CD di debutto, Viaggi in Aeromobile (Travel in Aircraft) per l'etichetta Music Center. Una raccolta di pezzi dall'atmosfera aggraziata e ben strutturati che mostrano il tocco naturale di Paterlini e il suo talento apparentemente disinvolto, l'uscita è stata accolta calorosamente dalla stampa specializzata italiana.

Il 2008 ha visto la pubblicazione di un EP che presentava in anteprima il secondo full-length di Paterlini, Viandanze. Nel frattempo la raccolta Remixed di 8 tracce ha presentato il materiale del compositore come paesaggi sonori sottilmente rielaborati, adattandoli comodamente in un convincente territorio chillout. Nel 2010 dell’impeccabile CD Fragments Found, sempre per l’etichetta di Paterlini, facendo paragoni con luminari come Ludovico Einaudi, Erik Satie e George Winston.

Nel 2011 è uscito il doppio CD set “Fragments Found + Viandanze” e nell'autunno dello stesso anno inizia a lavorare al suo progetto “Storie d'Autunno”, componendo, registrando e pubblicando on-line una canzone per ogni settimana della stagione autunnale, pubblicandolo nel febbraio 2012.

Nel 2013 ha pubblicato il suo nuovo album completo “Now”.

Il 2017 ha visto l'uscita del suo primo album di canzoni originali dopo 3 anni: Secret Book, uscito a maggio, è ancora una volta diverso dai suoi lavori precedenti, compreso un ampio uso di archi ed elettronica. 

Nel 2018 pubblica “Winter Stories”, presentando il nuovo album dal salotto di casa e registrandolo con live quotidiani, trasmessi in streaming sul suo principale canale social durante il mese di febbraio.

Nel 2019, è stato principalmente in tournée in Europa con il suo “Piano Stories 2019 Tour”. 

Nel 2023 esce con Riverscape. Giovanna Musolino scrive di questa opera: 

Riverscape è un album di liquida bellezza, che scorre, fluisce, si insinua profondamente nell'animo.

La musica è ispirata al e dal fiume e al suo incessante scorrere. Suite di 13 brani in cui l'elettronica, il pianoforte e gli archi dialogano e pennellano paesaggi sonori di intensa bellezza e velata malinconia.

Le note di Paterlini narrano il fiume, le sue acque, che seguono il loro corso perpetuo e inarrestabile, ne catturano la voce, i colori, gli umori, i mutamenti. Suggestioni, emozioni, incanto.

Fabrizio Paterlini

 

Es passt, dass der am 22. Februar 1973 geborene Komponist und Pianist Fabrizio Paterlini in der antiken Stadt Mantua in Norditalien geboren wurde und dort lebt. Als romantisches und historisch bedeutsames Zentrum musikalischer und künstlerischer Exzellenz durchdringen die Eleganz und kulturelle Tiefe der Stadt Paterlinis exquisite Originalkompositionen für Soloklavier. Doch trotz des unvermeidlichen Einflusses Mantuas auf die Arbeit des Komponisten ist seine Filmmusik alles andere als lokal bedingt oder auch nur als italienisch erkennbar, sondern greift vielmehr direkt universelle menschliche Emotionen auf.

Zuhörer und Kritiker sind sich uneinig, wie man Paterlinis wunderschönen Sound am besten beschreiben soll. Wir sprechen über Neoklassizismus, Ambient, Minimalismus und New Age, aber es ist relevanter, einige der Adjektive zu erwähnen, die regelmäßig verwendet werden, um seine Klangpalette zu würdigen. Ätherisch, gefühlvoll, üppig, emotional, verträumt, zart und, was besonders wichtig ist, leidenschaftlich – sie alle kommen mit gleichbleibender Häufigkeit vor. Der Komponist selbst beschreibt sein Werk als „wie ein Glas Rotwein an einem Sommerabend“ und ist sich der beruhigenden Wirkung seiner nachdenklichen Melodien auf den Zuhörer bewusst.

Paterlini begann im Alter von sechs Jahren Klavier zu spielen. Vom ersten Augenblick an, als er die Tasten berührte, veränderte sich sein Leben unwiderruflich. Die Musik wurde zu einer „Entscheidung, die ich jeden Tag treffe … und die ich in all ihren Facetten erkunde. Und so waren und sind die Musik und sein Lebensweg untrennbar miteinander verbunden. Während er als Musiker und Komponist Fortschritte macht, entwickelt er sich auch als Mensch weiter. Das formale Studium des gewählten künstlerischen Weges erfolgte während der fünf Jahre an der Accademia Campiani, der Akademie der Schönen Künste in Mantua, wo er einen Abschluss in Musiktheorie machte.

In den 1990er Jahren sammelte Paterlini erste Erfahrungen als Tourmusiker und spielte klassischen Rock, Pop und Jazz in lokalen Bands. Während er mit diesen Gruppen spielte, begann er Musik zu komponieren, zu diesem Zeitpunkt hauptsächlich Material im Progressive-Rock-Stil. Als sich das Jahrzehnt und das Jahrhundert dem Ende zuneigten, traf Paterlini eine wichtige Entscheidung: Er konzentrierte sich ausschließlich auf das Klavier – das Instrument, das, in seinen eigenen Worten, „seine innere Welt am besten zum Ausdruck brachte“. Dennoch begann er erst im Jahr 2006, Musik für Soloklavier zu komponieren.

Im folgenden Jahr erreichte seine musikalische Lebensreise einen entscheidenden Schritt mit der Veröffentlichung seiner Debüt-CD „Viaggi in Aeromobile“ (Reisen im Flugzeug) beim Label Music Center. Die Veröffentlichung ist eine Sammlung anmutiger, gut strukturierter und stimmungsvoller Stücke, die Paterlinis natürliches Gespür und scheinbar müheloses Talent zur Schau stellen und von der italienischen Musikpresse herzlich aufgenommen wurden.

2008 erschien eine EP mit einer Vorschau auf Paterlinis zweites Album „Viandanze“. Die 8-Track-Remixed-Sammlung präsentierte das Material des Komponisten unterdessen als subtil überarbeitete Klanglandschaften, die sich bequem in das überzeugende Chillout-Territorium einfügen. Die tadellose CD „Fragments Found“ aus dem Jahr 2010, ebenfalls bei Paterlinis Label, wurde mit Größen wie Ludovico Einaudi, Erik Satie und George Winston verglichen.

Im Jahr 2011 wurde das Doppel-CD-Set „Fragments Found + Viandanze“ veröffentlicht und im Herbst desselben Jahres begann er mit der Arbeit an seinem Projekt „Storie d'Autunno“, bei dem er für jede Woche des Herbstes ein Lied komponierte, aufnahm und online veröffentlichte, das er im Februar 2012 herausbrachte.

2013 veröffentlichte er sein neues Album „Now“.

2017 erschien ihr erstes Album mit Originalsongs seit drei Jahren: „Secret Book“, das im Mai erschien, unterscheidet sich erneut von ihren früheren Arbeiten, unter anderem durch den umfassenden Einsatz von Streichern und elektronischen Elementen.

2018 veröffentlichte er „Winter Stories“, präsentierte das neue Album von seinem Wohnzimmer aus und nahm es mit täglichen Live-Auftritten auf, die im Februar auf seinem wichtigsten sozialen Kanal gestreamt wurden.

Im Jahr 2019 tourte er mit seiner „Piano Stories 2019 Tour“ hauptsächlich durch Europa.

Im Jahr 2023 veröffentlichte er Riverscape. Giovanna Musolino schreibt über dieses Werk:

„Riverscape“ ist ein Album von flüssiger Schönheit, die fließt und fließt und sich tief in die Seele einschleicht.

Die Musik ist vom Fluss und seiner unaufhörlichen Strömung inspiriert. Suite aus 13 Titeln, in denen Elektronik, Klavier und Streicher im Dialog stehen und Klanglandschaften von intensiver Schönheit und verhüllter Melancholie zeichnen.

Paterlinis Notizen erzählen vom Fluss und seinen Wassern, die ihrem ewigen und unaufhaltsamen Lauf folgen, und fangen seine Stimme, seine Farben, seine Stimmungen und seine Veränderungen ein. Anregungen, Emotionen, Verzauberung.

Missing Puzzles – Review by Giuseppe Storti

 

Missing Puzzles – A Novel by Maria Teresa De Donato

Review by Giuseppe Storti

 

The Romans had the cult of ancestors The "mos maiorum", literally: the ancestors' customs, is the founding core of Roman civilization. The Romans jealously guarded the Lares and Penates in their homes. In every Roman domus, there were statuettes that symbolized the Lares who protected the family. While the Penates are guardian spirits of the family's food reserves. A cult that was passed down from father to son.

The book by Dr. De Donato, which reconstructs the life of her ancestors in its dense plot backward, does nothing but revive a tradition and a culture that Western civilization has forged in its DNA. The story and reconstruction of one's family's past must be done exclusively by projecting one's present into the past before time can inexorably erase its traces. We are nothing if we do not remember what we have been.

Reconstructing the past through genealogical research of one's ancestors strengthens one's identity, allowing one to face the future with more certainty. Indeed, only those with a solid past can face future challenges with more strength and optimism. The talented writer goes back in time, as in an imaginary machine, through accurate genealogical research, combined with a meticulous analysis of the personality and behavior of those who preceded her. She even studies the influences that have modified the character and behavior of her ancestors in the passage of various historical eras. It starts from the barbarian invasions, passes through the Middle Ages, and reaches the twentieth century. A truly fascinating journey.

The description of the most important historical events that have characterized the history of the European continent is also very accurate. The pages on the origins of her father and mother are beautiful and very emotional, with considerations of the effects that the unfortunate event of the Second World War had on her nuclear family. Finally, the immense gratitude of a daughter for the love received and the conspicuous cultural heritage inherited from her family, with the load of traditions to respect and love.

It is an autobiographical novel based on the narrative thread of the so-called memoirs that are having great success in the contemporary publishing scene. A book to read precisely because it is a fitting example of the value of memory, which must be cultivated and loved and, above all, must be witnessed in the only possible way so as not to vanish: that is, with writing. The missing puzzle the author manages to find at the end of her careful research is precisely in that inestimable cultural heritage inherited from her large family.